Jenseits des westlichen Blicks: Globale Perspektiven der Aktfotografie

Während eines Großteils ihrer Geschichte wurde die Geschichte der Aktfotografie aus einer vorwiegend europäischen und nordamerikanischen Perspektive erzählt, wodurch ein Kanon entstand, der den "idealen" Körper implizit durch eine westliche Linse definierte. Im 21. Jahrhundert hat sich jedoch, angetrieben durch Globalisierung und postkoloniales Denken, ein starker Wandel vollzogen. Dabei geht es nicht nur darum, einer alten Tradition neue Gesichter hinzuzufügen, sondern den Blick grundlegend zu dekolonisieren. Künstler aus aller Welt nutzen den Akt - ein typisch westliches Thema der Kunstgeschichte -, um ihre eigenen kulturellen Identitäten zu erforschen, Stereotypen in Frage zu stellen und die historische Dominanz des Blicks zu untergraben. In diesem Artikel werden einige dieser wichtigen internationalen Stimmen vorgestellt, die das Genre auf ihre eigene Weise neu definieren.

Ich schreibe dies aus meiner Praxis heraus, die sich zwischen Istanbul und Berlin entwickelt hat, und aus der Perspektive eines Fotografen und Kurators, der die Politik des Sehens als Teil der Bildgestaltung vermittelt. Die Akt-Workshops den kulturellen Kontext als Arbeitsmaterial betrachten, nicht als exotische Ebene, die erst nach der Aufnahme hinzugefügt wird.

Der westliche Blick ist nicht einfach nur ein Stil; er ist eine Verteilung von Autorität. Sie entscheidet, wessen Körper zum Ideal wird, wessen zum Beweis, wessen zum Exotischen und wessen zurückblicken darf. Die Dekolonialisierung des Aktes beginnt, wenn diese Autorität unterbrochen wird.

Das Problem, wenn man Kunst als “global” bezeichnet”

“Global” ist eine nützliche Kurzform, kann aber zu einem weiteren westlichen Kategorisierungssystem werden: ein Zentrum, viele bunte Randbereiche. Die im Folgenden vorgestellten Künstler lehnen diese Einteilung ab. Migration, Exil und Diaspora bedeuten, dass Rotimi Fani-Kayode oder Sunil Gupta nicht auf ihren Geburtsort beschränkt werden können, während Japan, Indien, Nigeria oder der Iran keinen einheitlichen nationalen Blickwinkel hervorbringen. Geografie spielt hier eine Rolle, weil Macht durch sie hindurchfließt, nicht weil Identität gehorsam innerhalb von Grenzen verbleibt.

Eine dekoloniale Lesart wirft spezifischere Fragen auf. Wer hat das Bild in Auftrag gegeben? Wer kontrolliert dessen Verbreitung? Welche visuellen Konventionen stammen aus der Ethnografie, der Mode, der Religion oder aus Familienarchiven? Wie bezeichnet sich die abgebildete Person selbst? Die Antworten darauf könnten die einfache Trennung zwischen Beobachter und Beobachtetem ins Wanken bringen.

Asiatische Perspektiven

Nobuyoshi Araki (1940–heute), Japan

Nobuyoshi Araki

Araki, einer der produktivsten und umstrittensten Fotografen Japans, schafft äußerst persönliche und provokative Werke. Er ist bekannt für seine tagebuchartige "I-Fotografie" (Shishashin), eine Philosophie, die sein eigenes Leben, seine Sehnsüchte, seine Trauer und seine Stadt als zentrales Thema behandelt. Dieser Ansatz verleiht seinen Fotos eine rohe, unmittelbare und manchmal auch unbequeme Intimität. Seine Aktfotos enthalten oft Elemente von Kinbaku (japanische künstlerische Fesselkunst), in der er das komplexe Wechselspiel von Macht, Erotik und Sterblichkeit erforscht. Seine Arbeiten sind wegen ihrer Darstellung von Frauen in die Kritik geraten und haben wichtige Debatten über Frauenfeindlichkeit und künstlerische Verantwortung ausgelöst.

• "Sentimental Journey" (1971): Ein intimes Fototagebuch von Arakis Flitterwochen, das auch freizügige Aktaufnahmen seiner Frau Yoko enthält und mit Konventionen bricht, indem es das persönliche Leben mit der öffentlichen Kunst verbindet.
• "Tokyo Lucky Hole" (1983–1985): Eine schonungslose Dokumentation der Sexindustrie in Tokio, die die Welt der kommerziellen Sexualität unverblümt festhält, dabei jedoch schwierige Fragen zu Einwilligung, Urheberschaft und Wertung offen lässt.

Nobuyoshi Araki

Der Übergang vom privaten Tagebuch zur öffentlichen Dokumentation verändert die moralische Tragweite grundlegend. Intimität mit einem Ehepartner und der Zugang zu Sexarbeitern in einem kommerziellen sexuellen Umfeld sind keine gleichwertigen Formen der Einwilligung. Arakis Bedeutung liegt zum Teil in diesem Unbehagen: Sein Werk zwingt die Geschichte der Aktfotografie dazu, anzuerkennen, dass künstlerische Intimität zugleich zärtlich, ausbeuterisch und kulturell entscheidend sein kann.

Nobuyoshi Araki

Die ethische Debatte um Araki lässt sich nicht dadurch lösen, dass man Provokation als Neutralität beschreibt. Seine tagebuchartige Methode verleiht der Intimität eine autoritäre Kraft, konzentriert aber auch die Kontrolle auf den Fotografen. Wenn man diese Bilder heute betrachtet, gehören Urheberschaft, Einwilligung und die Bedingungen der Veröffentlichung zur Interpretation dazu. Die Machtverhältnisse zwischen Fotograf und Model bietet einen praktischen Rahmen für diese Lesart.

Ren Hang (1987–2017), China

Ren Hang

Obwohl seine Karriere tragisch kurz war, waren Ren Hangs kühne und farbenfrohe Bilder ein Akt der Rebellion. Vor dem Hintergrund der staatlichen Zensur in China wurde sein Werk zu einem Symbol für kreative Freiheit für eine neue Generation. Seine Fotografien zeigen oft nackte Körper - keine professionellen Modelle, sondern Freunde -, die in seltsamen, skulpturalen Posen vor kargen Stadt- oder Naturlandschaften posieren. Die Verwendung von leuchtenden Primärfarben und spielerischer Absurdität schafft eine Bildsprache, die sowohl fröhlich als auch befremdlich ist, ein direkter Ausdruck jugendlichen Trotzes in einer restriktiven Gesellschaft. Da seine Arbeiten oft zensiert wurden, entwickelte er sich zu einem Künstler des digitalen Zeitalters und nutzte Plattformen wie Flickr, um seine Visionen mit einem internationalen Publikum zu teilen.

Ren Hang

Ren lehnte großangelegte politische Interpretationen seiner Bilder immer wieder ab, doch die Zensur machte ihre Verbreitung – unabhängig von der Absicht – zu einer politischen Angelegenheit. Ihre prägnante Bildsprache, die Primärfarben und die Anordnung der Körper schaffen eine Bildsprache, in der Freundschaft, Absurdität und staatliche Einschränkungen denselben Bildausschnitt einnehmen.

Daido Moriyama (1938–heute), Japan

Daido Moriyama

Moriyama ist zwar kein Aktfotograf im engeren Sinne, aber sein charakteristischer "are, bure, boke"-Stil (rau, unscharf, verschwommen) hat die Art und Weise, wie der Körper in der japanischen Fotografie gesehen wird, tiefgreifend beeinflusst. Seine Ästhetik ist eine direkte Reaktion auf die sozialen Ängste und die rasante, chaotische Modernisierung im Japan der Nachkriegszeit. Seine düsteren, kontrastreichen Bilder fragmentieren den Körper und seine Umgebung, lösen die Figuren in der urbanen Struktur auf und spiegeln eine Welt der flüchtigen Begegnungen und der verlorenen Identität wider.

• "Serie "Tights“ (1987): Berühmte Nahaufnahmen von Beinen in Netzstrümpfen, die die weibliche Form zu einem körnigen, grafischen Muster abstrahieren, das sowohl sinnlich als auch anonym ist.

Daido Moriyama

Südamerikanische Visionen

Sebastião Salgado (1944–2025), Brasilien

Sebastião Salgado

Salgado, der für seine monumentalen sozialen Dokumentarfilmprojekte bekannt ist, geht von einem anthropologischen Ansatz und einem tiefen Respekt für die Menschheit aus. Er verwendet eine klassische, fast biblische Qualität des Lichts und satte Schwarz-Weiß-Töne, die seinen Motiven eine monumentale, zeitlose Würde verleihen. Diese Technik ist eine bewusste Entscheidung, um sie über ethnografische Themen hinaus zu archetypischen Figuren der Menschheit zu erheben. Sein Werk unterläuft die "exotische" Trophäe der Eingeborenen, indem es den nackten Körper nicht als Objekt der Begierde, sondern als Symbol unserer ursprünglichen Verbindung zur Erde zeigt.

• "Genesis" (2013): Dieses epische Projekt umfasst eindrucksvolle Aktporträts des Zo'é-Volkes im Amazonas-Regenwald, die mit einem tiefen Gefühl der Ehrfurcht und Anmut präsentiert werden.

Sebastião Salgado

Flor Garduño (1957–heute), Mexiko

Flor Garduño

Die Schwarz-Weiß-Fotografien von Flor Garduño sind vom Geist des magischen Realismus durchdrungen, eine visuelle Parallele zur Literatur von Gabriel García Márquez. Ihre Aktbilder sind in traumhaften Szenarien angesiedelt, in denen sich indigene mexikanische Symbolik mit einer poetischen Bildsprache verbindet. So kann eine Frau einen Leguan wie ein königliches Zepter halten oder von Schlangen umschlungen sein, was auf präkolumbianische Mythen verweist. Ihr Werk zelebriert eine einzigartig weibliche Spiritualität, die tief mit der Natur und der Folklore verbunden ist.

• "Inner Light" (2002): Eine Sammlung von Aktstudien, die Themen wie Weiblichkeit, Natur und Spiritualität durch kraftvolle symbolische Bilder erkunden.

Flor Garduño

Afrikanische Perspektiven

Rotimi Fani-Kayode (1955–1989), Nigeria/Großbritannien

Rotimi Fani-Kayode

Obwohl Fani-Kayode im Vereinigten Königreich lebte, war seine Arbeit eine starke Erkundung seiner "hybriden Identität". Er schuf sorgfältig inszenierte, symbolträchtige Aktbilder, in denen er häufig Masken, Körperbemalung und rituelle Gegenstände aus seinem Yoruba-Erbe in einen westlichen Rahmen der bildenden Kunst einfügte. Diese Verschmelzung war ein bewusster Akt, um westliche Darstellungen des schwarzen männlichen Körpers herauszufordern und die Überschneidungen von Ethnie, Sexualität und Spiritualität aus seiner einzigartigen Position zwischen den Kulturen zu erforschen.

Zanele Muholi (1972–heute), Südafrika

Zanele Muholi

Zanele Muholi bezeichnet sich als "visuelle Aktivistin". Ihre Arbeit ist eine direkte Konfrontation mit der mangelnden Repräsentation schwarzer LGBTQIA+-Personen im Südafrika der Post-Apartheid-Zeit. In ihrer gefeierten Serie "Somnyama Ngonyama" (Hail the Dark Lioness) setzt Muholi ihren eigenen Körper ein, um die Politik von Ethnie und Geschlecht zu hinterfragen. Oft verwenden sie alltägliche Gegenstände wie Scheuerschwämme, Wäscheklammern oder Autoreifen, um aufwendige Kostüme und Kopfbedeckungen zu kreieren, die einen eindringlichen Kommentar zu häuslicher Arbeit und wirtschaftlichem Kampf darstellen. Durch die absichtliche Verstärkung des Kontrasts, um ihre Hautfarbe zu verdunkeln, vollzieht Muholi einen radikalen Akt des Feierns und der Übertreibung von Schwarzsein und konfrontiert damit direkt die Geschichte des ethnografischen Blicks.

• "Somnyama Ngonyama" (2012–fortlaufend): Eine Serie von trotzigen Selbstporträts, einige davon mit Nacktheit, die als Akt der Selbstdarstellung und des politischen Widerstands dienen.

Zanele Muholi

Indischer Subkontinent

Prabuddha Dasgupta (1956–2012), Indien

Prabuddha Dasgupta

Prabuddha Dasgupta war ein Wegbereiter der Aktfotografie in Indien, einem Land mit einer komplexen kulturellen Einstellung zur Nacktheit. Seine eleganten Schwarz-Weiß-Akte zeichnen sich durch ihre ruhige, kontemplative und sehr persönliche Qualität aus. Anstatt zu provozieren, um einen Schockeffekt zu erzielen, konzentriert sich seine Arbeit auf Intimität und Form in privaten, oft grell beleuchteten Räumen. Diese sanfte, persönliche Erkundung war selbst ein radikaler Akt in der öffentlichen Sphäre Indiens, der einen neuen, respektierten Raum für die Kunstform schuf.

• "Frauen" (1996): Ein bahnbrechendes Buch mit Aktstudien, das mutig Tabus in Frage stellt und eine Diskussion über Nacktheit in der indischen Gesellschaft auslöst.

Sunil Gupta (1953–heute), Indien/Großbritannien

Sunil Gupta

Sunil Gupta hat sich in seinen Arbeiten immer wieder mit Themen wie queere Identität, Ethnie und Migration aus einer transnationalen Perspektive auseinandergesetzt. Seine frühe "Christopher Street"-Serie dokumentierte die Freiheit und Hoffnung der schwulen Befreiungsbewegung in New York, während seine späteren Arbeiten in Indien das verborgene Leben schwuler Männer in einem Land sichtbar machten, in dem Homosexualität kriminalisiert wurde. Für Gupta ist das Aktporträt ein Akt der politischen Bestätigung - eine Art zu sagen: "Wir existieren, wir begehren, wir sind hier."

Sunil Gupta

Stimmen aus dem Nahen Osten

Youssef Nabil (1972–heute), Ägypten

Youssef Nabil

Youssef Nabil zeichnet sich durch die Handkolorierung seiner Schwarz-Weiß-Fotografien aus, eine Technik, die an den Glamour des alten ägyptischen Kinos erinnert. Dieses Verfahren verleiht seinen Bildern eine träumerische, nostalgische Qualität, so als würde man eine verblasste Erinnerung betrachten. In seinen Aktbildern geht es oft um Themen wie Identität, Exil und die Sehnsucht nach einer verlorenen Vergangenheit, wobei der Körper als Gefäß für diese melancholischen Gefühle von Schönheit und Verdrängung dient.

Shirin Neshat (1957–heute), Iran/USA

Shirin Neshat

Shirin Neshats Arbeiten nutzen den Körper als Ort für kulturelle und politische Texte und stellen westliche Stereotypen über muslimische Frauen direkt in Frage. In ihrer ikonischen Serie "Women of Allah" fotografiert sie verschleierte Frauen, die oft Waffen in der Hand halten, und bedeckt die freiliegenden Hautpartien - Gesichter, Hände, Füße - mit sorgfältig aufgetragener persischer Kalligrafie. Bei den Texten handelt es sich häufig um feministische Lyrik iranischer Schriftsteller. Dadurch entsteht eine starke Spannung: Der westliche Betrachter mag Symbole der Unterdrückung sehen, aber das Werk selbst spricht von intellektueller Macht, weiblicher Handlungsfähigkeit und Widerstand.

• "Serie "Frauen Allahs“ (1993–1997): Eine bahnbrechende Serie, die die komplexe Identität von Frauen während der iranischen Revolution untersucht.

Shirin Neshat

Eine Arbeitsmethode für das Fotografieren über kulturelle Grenzen hinweg

Kulturelle Anspielungen sind keine kostenlosen Requisiten. Bevor Sie ein Moodboard erstellen, sollten Sie herausfinden, wer in der Vergangenheit die Gemeinschaft, das Ritual oder die visuelle Tradition fotografiert hat, auf die Sie Bezug nehmen möchten, und wozu diese Bilder verwendet wurden, um bestimmte Standpunkte zu rechtfertigen. Ein Textil, eine Maske, ein Narbenmuster oder eine religiöse Geste sind Träger von Erinnerung und Zugehörigkeit. Die Tatsache, dass sie Ihrem Publikum unbekannt sind, ist kein Freibrief, sie einfach als atmosphärisches Element zu verwenden.

Ersetzen Sie während der Produktion den vagen Begriff “kulturelle Inspiration” durch die tatsächliche Urheberschaft. Legen Sie gemeinsam mit der abgebildeten Person fest, was die Referenz bedeutet, wie das Werk betitelt wird, wo es verbreitet werden darf, ob es verkauft werden darf und welche Kontexte es verfälschen würden. Metadaten sind kein administrativer Staub unter dem Bild; sie entscheiden darüber, ob das Foto als Gemeinschaftswerk, Fantasie oder Diebstahl in die Welt hinausgeht.

Bei meiner eigenen grenzüberschreitenden Arbeit versuche ich, die interpretative Struktur sichtbar zu machen, bevor ich den Körper anleite. Das Modell muss nicht nur wissen, wie die Pose aussieht, sondern auch, welche Aussage die endgültige Bildsequenz vermitteln soll. Diese Disziplin ist besonders wichtig, wenn ein Fotograf außerhalb seines eigenen kulturellen Erfahrungshorizonts arbeitet. Damit verbundene Fragen der Urheberschaft lassen sich zurückverfolgen durch Fotografinnen, die den Akt vom Objekt zur Schöpferin erhoben haben und durch die aktuellen Debatten über Identität und Repräsentation.

Schlussfolgerung: Der Akt als universelle Sprache

Die Arbeiten dieser weltweit tätigen Künstler zeigen einen tiefgreifenden Wandel in der Aktfotografie. Sie haben ein Genre, das einst von einer westlichen, oft männlichen Perspektive dominiert wurde, in eine universelle Sprache verwandelt, um lokale Identitäten zu erforschen, sich mit schwierigen Geschichten auseinanderzusetzen und kulturellen Stolz zu bekunden. Indem sie den Akt mit ihren eigenen kulturellen Symbolen, politischen Realitäten und persönlichen Geschichten durchdringen, fordern sie uns auf, die menschliche Form nicht als monolithisches Ideal zu sehen, sondern als eine unendlich vielfältige und aussagekräftige Reflexion unserer gemeinsamen, vielfältigen Menschlichkeit. Ihr kollektives Werk beantwortet die Fragen "Wer darf Schönheit definieren?" und "Wer hat das Recht, gesehen zu werden?" mit einem kraftvollen, widerhallenden Refrain aus allen Ecken der Welt.

Der Akt ist gerade deshalb eine universelle Sprache, weil er niemals mit einem einzigen Akzent gesprochen wird. Körper sind gemeinsames menschliches Material, doch jedes Foto bringt Rasse, Geschlecht, soziale Schicht, Religion und Geschichte mit in den Bildausschnitt. Die stärksten Künstlerinnen und Künstler in dieser Ausstellung löschen Unterschiede nicht im Namen der Universalität aus. Sie nutzen diese Unterschiede, um die Illusion zu widerlegen, dass eine einzige Kultur den neutralen Standpunkt für sich beanspruchen könne.

Fragen, die Fotografen zum globalen Blick stellen

Was bedeutet die Dekolonisierung des Blicks in der Fotografie?

Das bedeutet, zu untersuchen, wer befugt ist, wen zu vertreten, welche visuellen Konventionen aus kolonialen oder ethnografischen Systemen stammen und inwiefern die dargestellten Personen an der Urheberschaft, der Bildbeschriftung und der Verbreitung beteiligt sind.

Ist die Verwendung kultureller Symbolik immer eine Aneignung?

Es gibt keine allgemeingültige Regel, die alle Fälle abdeckt. Die entscheidenden Fragen betreffen die Einwilligung, das Wissen, die Macht, den wirtschaftlichen Nutzen und die Frage, ob das Bild eine lebendige Praxis auf eine reine Dekoration reduziert. Eine Zusammenarbeit hebt die Verantwortung nicht auf, sondern verändert die Art und Weise, wie diese Verantwortung geteilt werden kann.

Warum werden umstrittene Fotografen wie Araki einbezogen?

Einfluss und ethische Kritik lassen sich gemeinsam untersuchen. Das Ausblenden von Kontroversen kann zu einer verzerrten Geschichtsdarstellung führen; das Verherrlichen von Einfluss ohne Analyse der Macht führt zu einer weiteren verzerrten Geschichtsdarstellung.

Inwiefern berücksichtigen Workshops den kulturellen Kontext?

Unser Workshop-Veranstaltungen in Berlin und Istanbul Zunächst werden das Konzept und die dazugehörigen Referenzen vorgestellt, bevor das Posieren beginnt. Kulturelle Bedeutung, Form und die Zusammenarbeit mit dem Model bestimmen den Ablauf der Sitzung, während Sexualität dabei eine untergeordnete Rolle spielt.

Diese Workshops richten sich an Fotografen, die untersuchen möchten, wie Bilder Kultur, Macht und Urheberschaft vermitteln. Jede Ausgabe beginnt mit Referenzen und einem konkreten Konzept und entwickelt das Bild anschließend durch Form und Zusammenarbeit weiter, anstatt den Akt als universelle, leere Fläche zu behandeln.

Unter der Leitung von Burak Bulut Yıldırım, ein in Berlin ansässiger Fotograf, zeitgenössischer Künstler, Kurator und Pädagoge, der seit 2005 beruflich tätig ist. Die Aktfotografie-Workshops finden seit über 14 Jahren statt und wurden bereits mehr als 50 Mal mit über 300 teilnehmenden Fotografen durchgeführt. Seine Arbeiten wurden in Berlin, Zürich, Barcelona, Rom, Thessaloniki und Heilbronn ausgestellt, und er kuratierte Aktbilder aus Istanbul in der Akt Galerie Berlin im Jahr 2026, begleitet von einer gebundenen Ausgabe von Mijuk Papers Berlin.

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Portfolio: burakbulut.org · Limitierte Auflagen auf Saatchi Kunst und Artsper · Kontakt: hello@nudeartworkshops.com