Eine Geschichte der Aktfotografie: 160 Künstler, die den Körper in Bildern neu definierten

Jede Geschichte der Aktfotografie ist zugleich eine Geschichte der Macht: Wer durfte schauen, wer musste betrachtet werden, wer kontrollierte das Negativ, und welche Körper wurden von den Institutionen als Kunst anerkannt? Seit der Erfindung der Kamera wurde der unbekleidete Körper als anatomischer Beweis, als private Fantasie, als formales Experiment, als politische Waffe, als kommerzieller Köder, als persönliches Tagebuch und als Besitzanspruch auf das eigene Bild genutzt. Dieser Artikel verfolgt diese Argumentation von den 1840er Jahren bis zur Gegenwart anhand der Bewegungen, die das Genre verändert haben, sowie anhand einer chronologischen Liste von 160 Fotografen und Künstlern, die es erweitert, ins Wanken gebracht, kommerzialisiert, politisiert oder neu erfunden haben.

Ich schreibe dies als in Berlin ansässiger Fotograf und Pädagoge, der vermittelt die Geschichte und Praxis der Aktfotografie. Die folgenden Namen sind für mich keine fernen Museumsobjekte; ihre ungeklärten Fragen halten immer noch Einzug ins Atelier, wenn ein Model und ein Fotograf darüber entscheiden, welche Bedeutung der Körper haben soll.

Meine Haltung ist ganz klar: Der Akt ist niemals neutral. Selbst der abstrakteste Torso birgt Annahmen über Schönheit, Geschlecht, soziale Schicht, ethnische Zugehörigkeit, Alter, Begehren und Akzeptanz. Gute Fotografien entziehen sich diesen Zwängen nicht. Sie machen sie sichtbar.

Der Schatten des Malers: Die frühen Pioniere und der akademische Akt (1840–1910)

Die Geschichte der Aktfotografie beginnt Mitte des 19. Jahrhunderts mit einer bequemen Fiktion: Fotografien von unbekleideten Modellen galten angeblich eher als technische Hilfsmittel für Maler denn als eigenständige Bilder. Eugène Durieu (1800–1874), Félix-Jacques Moulin (1802–1875), Gaudenzio Marconi (1841–1885) und andere schufen Akademien, sorgfältig inszenierte Studien, die über einen regulierten Pariser Handel verkauft wurden. Die Kamera lieferte anatomische Details effizienter als ein Live-Sitting, schuf aber auch etwas, das die Malerei vermeiden konnte: den hartnäckigen Beweis, dass eine echte Person nackt vor einer Maschine gestanden hatte.

Die Fotografie hat den Akt nicht erfunden. Sie hat vielmehr die Doppelmoral der Kunst offenbart. Eine gemalte Venus konnte in einem angesehenen Salon hängen, während ein Foto mit derselben Pose als obszön beschlagnahmt werden konnte, weil der Betrachter nicht mehr so tun konnte, als gehöre der Körper ausschließlich der Mythologie an. Der Skandal lag nicht in der Nacktheit an sich. Es war die Nähe des Fotos zu einer tatsächlichen Begegnung.

Bruno Braquehais (1823–1875) verkörpert diese Spannung. Die formale Pose des Modells, die Säule, die Faltenwürfe und das kontrollierte Profil greifen die Bildsprache der Antike auf, um den Realismus der Kamera zu zügeln. Das Bild versucht, “Akademie” zu sagen, noch bevor der Betrachter “Begehren” sagen kann.”

Bruno Braquehais

Bis zum Ende des Jahrhunderts nutzten Pictorialisten wie Fred Holland Day (1864–1933) Weichzeichner, kontrollierte Drucktechniken und historische Inszenierungen, um die Fotografie als bildende Kunst zu etablieren. Anne Brigman (1869–1950) ging noch einen Schritt weiter: Sie fotografierte ihren eigenen nackten Körper in der Sierra Nevada und machte so die Frau im Bild von einem engagierten akademischen Modell zur Urheberin des Bildes. Dieser Wandel vom Objekt zur Urheberin sollte fast das gesamte nächste Jahrhundert in Anspruch nehmen, bis er sich vollständig durchgesetzt hatte. Diese Epoche wird näher beleuchtet in Die Geschichte der ersten Pioniere der Aktfotografie.

Die Form durchbrechen: Die Revolution der Moderne (1920–1960)

Die Moderne hörte auf zu fragen, ob die Fotografie die „seriöse“ Kunst nachahmen könne, und begann stattdessen zu hinterfragen, was nur eine Kamera leisten könne. Bildausschnitt, Solarisation, ungewöhnliche Blickwinkel, scharfe Fokussierung, Mehrfachbelichtung und optische Verzerrung zerlegten den Körper in eine neue visuelle Grammatik. Man Ray (1890–1976) ließ Haut metallisch und instabil erscheinen. Bill Brandt (1904–1983) nutzte Weitwinkelobjektive, um Räume, Gliedmaßen und Küstenlinien in eine zusammenhängende Architektur zu verwandeln. Edward Weston (1886–1958) führte das Fleisch in Richtung Skulptur, ohne dass es dabei blutleer wurde.

Imogen Cunningham (1883–1976) spielte bei diesem Wandel eine zentrale Rolle. In ihren Fotografien isoliert sie Rücken, Arme, Oberkörper und schwangere Silhouetten, bis die Anatomie zur Geometrie wird, doch der Körper verliert dabei nie seine physische Schwere. Die große Errungenschaft des modernistischen Aktes bestand nicht allein in der Abstraktion. Er bewies, dass Abstraktion die Körperlichkeit verstärken kann, anstatt sie auszulöschen.

Imogen Cunningham

Wenn ich Abstraktion unterrichte, rate ich den Fotografen nicht als Erstes, das Gesicht zu verbergen oder willkürlich zu beschneiden. Ich bitte sie, zu entscheiden, wozu sich der Körper wandelt: zu Architektur, Rhythmus, Druck, Landschaft oder einem Lichtfeld. Sobald diese Umwandlung klar ist, wird das Beschneiden eher zu einer Argumentation als zu einem bloßen Effekt. Dieselbe Transformation lässt sich nachverfolgen in Der umfassende Leitfaden zum modernistischen Akt.

Der kommerzielle Blick: Mode, Glamour und Revolution (1950er-1970er Jahre)

Die Massenzeitschriften haben das Aktbild ebenso entscheidend verändert wie jedes avantgardistische Manifest. Vogue, Harper’s Bazaar, Playboy, Parfümkampagnen, Plattencover und Modebücher verschafften den Fotografen ein großes Publikum, Produktionsbudgets und eine neue Aufgabe: das Verlangen in Umlauf zu bringen. Der Akt wanderte aus dem privaten Portfolio und den spezialisierten Galerien in die kommerzielle Kultur, wo Provokation als Raffinesse verkauft werden konnte.

Helmut Newton (1920–2004) verschmolz Haute Couture, Voyeurismus, Dominanz und Luxus zu Fotografien, die bis heute wie Beweismaterial von einem teuren Tatort wirken. Richard Avedon (1923–2004) verfolgte einen ganz anderen Ansatz und reduzierte das Studio auf weißen Raum und Konfrontation. Sam Haskins (1926–2009) brachte grafische Bildsequenzen, Witz und das Fotobuch in das Genre ein. Sein Cowboy Kate & andere Geschichten zeigte, dass sich eine Akt-Serie auf Papier wie Kino anfühlen kann.

Sam Haskins

Diese Ära verlieh dem Glamour kulturelle Macht, etablierte aber zugleich Jugend, Schlankheit, weiße Hautfarbe und die Verfügbarkeit von Frauen als visuelle Währung. Die Fotos dieser Zeit können verführerisch und zugleich politisch fragwürdig sein. Dieser Widerspruch ist kein Grund, das Werk auf ein moralisches Urteil zu reduzieren. Er ist der Grund, warum es sich nach wie vor lohnt, sich mit diesem Werk auseinanderzusetzen.

Der politische Körper: Identität, Zensur und der zeitgenössische Akt (1970er Jahre bis heute)

Ab den 1970er Jahren wurde der Körper zu einem expliziten Schauplatz des Kampfes. Feministische Künstlerinnen, queere Fotografen, Künstler*innen of Color, Künstler*innen mit Behinderung, Selbstporträtist*innen und Tagebuchschreiber*innen stellten die überlieferte Vorstellung in Frage, dass der Akt in erster Linie für einen distanzierten Betrachter existiere. Die Frage verlagerte sich von “Ist dieser Körper schön?” hin zu “Wer bestimmt seine Bedeutung, und wer fühlt sich bedroht, wenn er zurückblickt?”

Robert Mapplethorpe (1946–1989) wurde zu einer prägenden Figur in den amerikanischen Kulturkriegen. Die Absage seiner Ausstellung in der Corcoran Gallery im Jahr 1989 und der Obszönitätsprozess gegen das Contemporary Arts Center in Cincinnati im Jahr 1990 verwandelten formale Schwarz-Weiß-Fotografien in eine landesweite Debatte über Sexualität, öffentliche Finanzierung und Zensur. Die Anklage scheiterte, doch der Konflikt zeigte, wie schnell Institutionen ihre ästhetische Neutralität aufgeben, wenn queere Körper einen Platz in der Kunstgeschichte einfordern.

Robert Mapplethorpe

Nan Goldin (1953–) machte Intimität zu einer Art Tagebuch und verlieh ihr einen unbeständigen Charakter. Sally Mann (1951–) machte Familie, Sterblichkeit und den mütterlichen Blick zum Gegenstand öffentlicher Kontroversen. Rotimi Fani-Kayode, Laura Aguilar, Zanele Muholi, Sunil Gupta und viele andere sorgten dafür, dass Themen wie ethnische Zugehörigkeit, Queerness, Migration, Körperfülle, Behinderung und Selbstdarstellung nicht mehr als Nebenthemen behandelt werden konnten. Der zeitgenössische Akt lässt sich nicht auf einen einzigen Stil reduzieren. Er ist der Zusammenbruch der alten Erlaubnisstruktur. Die politische Entwicklung wird untersucht in Die Geschichte der Aktfotografie seit 1970.

Die digitale Revolution: Zugang, Manipulation und Zensur durch Plattformen

Die digitale Fotografie und das Internet senkten die Produktions- und Vertriebskosten und ermöglichten es Künstlern, Zeitschriften, Verlage und Galerien zu umgehen. Diese Freiheit war real, aber unvollständig. Die Gatekeeper sind nicht verschwunden; sie haben sich in Plattformen, Algorithmen, Zahlungsdienstleister und undurchsichtige Moderationssysteme verwandelt. Aktfotografie kann heute innerhalb von Minuten ein weltweites Publikum erreichen – und ebenso schnell wieder aus diesem Publikum verschwinden.

David LaChapelle (1963–) bediente sich digitaler Bildkomposition, satten Farben, Prominenten, religiöser Ikonografie und konsumorientierter Spektakel, um theatralische Welten zu erschaffen, die als dokumentarische Szenen nicht hätten existieren können. In seinem Werk wird Künstlichkeit als Thema und nicht als Mangel behandelt.

David LaChapelle

Nobuyoshi Araki (1940–) verkörpert einen weiteren Weg durch die moderne Bildkultur: produktiv, tagebuchartig, intim und stets umstritten. Seine schnappschussartigen I-Fotografie verwebt Sexualität, Trauer, Familienleben, Knechtschaft, Blumen und Tokio zu einer zusammenhängenden Autobiografie. Das Werk lässt sich nicht von Diskussionen über Frauenfeindlichkeit und Macht trennen – und das sollte auch nicht geschehen. Historische Bedeutung ist nicht gleichbedeutend mit moralischer Unschuld.

Nobuyoshi Araki

Die Kamera in ihren Händen: Frauen, die das Aktbild neu definieren

Fotografinnen haben mehr getan, als einem bestehenden Genre lediglich eine weibliche Perspektive hinzuzufügen. Sie haben die zentrale Dynamik des Genres verändert. Imogen Cunningham beanspruchte die formale Urheberschaft für sich; Anne Brigman stellte ihren eigenen Körper vor die Kamera; Diane Arbus lehnte Glamour ab; Francesca Woodman machte das Verschwinden zu einer Form des Selbstporträts; Cindy Sherman entlarvte Weiblichkeit als inszeniertes Drehbuch; Sally Mann kehrte die traditionelle Ausrichtung von Verletzlichkeit um; Zanele Muholi verwandelte Selbstdarstellung in visuellen Aktivismus.

Der “männliche Blick” ist nach wie vor nützlich, weil er ein System benennt – nicht, weil jeder Mann auf dieselbe Weise blickt oder jede Frau automatisch der Objektivierung entgeht. Was sich geändert hat, war die Urheberschaft. Der Körper auf dem Foto konnte nun der Schöpfer, Mitwirkende, Zeuge und Kritiker des Bildes sein und nicht mehr nur dessen stummes Objekt. Diese Umkehrung wird in Die Geschichte der Frauen, die die Aktfotografie neu definiert haben.

In meiner eigenen Atelierarbeit wird das Modell niemals als Rohmaterial behandelt, das auf die Idee eines Fotografen wartet. Das Bild entsteht im Wechselspiel aus Anweisungen, Ablehnung, Anpassung und Überprüfung. Dies schwächt die Urheberschaft nicht. Vielmehr verleiht es dem Foto mehr Intelligenz, als eine einzelne Person ihm aufzwingen könnte.

Die Zukunft der Aktfotografie: Echte Körper oder erfundene?

Generative KI, virtuelle Produktion, volumetrische Erfassung und synthetische Körper verändern bereits die visuelle Kultur. Sie werden überzeugende Bilder von Körpern erzeugen, die nie vor einer Kamera standen, und von Begegnungen, die nie stattgefunden haben. Das macht die physische Fotografie jedoch nicht überflüssig. Vielmehr macht es ihre wesentliche Eigenschaft auf neue Weise sichtbar: Ein Foto eines realen Körpers hält fest, dass zwischen Menschen, Licht, Zeit und einem Ort etwas geschehen ist.

KI ist nicht automatisch die Zukunft der Fotografie. Es ist dieser Druck, der die Fotografie dazu zwingt, zu verdeutlichen, was ihr wichtig ist. Meine künstlerische Arbeit basiert eher auf physischen, kamerainternen Techniken als auf generativer Bildgestaltung, denn Reibung spielt eine Rolle: Stoff leistet Widerstand, Körper ermüden, Licht verfehlt sein Ziel, die Einwilligung ändert sich, Zufälle werden zur Form. Ein synthetischer Körper mag visuell überzeugend sein, aber er kann das ethische und psychologische Ereignis nicht ersetzen, jemanden zu fotografieren, der zurücksprechen kann.

Der Körper als posthumane Schnittstelle

Die nächste entscheidende Entwicklung ist vielleicht gar kein Stil. Es könnte vielmehr ein erneutes Beharren auf der Herkunft sein: Wer hat den Körper geschaffen, wer hat seiner Verwendung zugestimmt, was wurde physisch fotografiert, was wurde generiert, und wird der Betrachter zu einer Begegnung eingeladen oder sieht er lediglich eine plausible Oberfläche?.

Wie man einen Kanon von 160 Künstlern liest

Keine Liste einflussreicher Fotografen ist unvoreingenommen. Kanons entstehen durch Museen, Verlage, Märkte, Zensurkämpfe, den Zugang zu Models, kritische Mode und Wiederholung. Einige der unten aufgeführten Namen gehören zur bildenden Kunst; andere gingen durch Mode, Erotik, Dokumentarfotografie, Verlagswesen, Skandale oder technischen Einfluss in die Geschichte ein. Die Aufnahme in diese Liste dokumentiert den Einfluss. Sie stellt keine Befürwortung jedes einzelnen Bildes, jeder Arbeitsweise oder jeder persönlichen Geschichte dar.

In der ursprünglichen Fassung dieses Artikels waren 160 Künstler*innen angekündigt, es wurden jedoch nur 158 Namen aufgeführt. Anne Brigman und Zanele Muholi wurden hinzugefügt, denn eine Geschichte, die selbst inszenierte weibliche Aktdarstellungen zu Beginn der Moderne und die Selbstdarstellung schwarzer queerer Menschen in der Gegenwart ausklammert, hinterlässt mehr als nur eine Lücke. Sie erzählt die falsche Geschichte.

160 wegweisende Aktfotografen und -künstler

1–40 · Grundlagen, Pictorialismus und Modernismus

1. Eugène Durieu (1800-1874)
2. Félix-Jacques Moulin (1802-1875)
3. Bruno Braquehais (1823-1875)
4. Gaudenzio Marconi (1841-1885)
5. Wilhelm von Gloeden (1856-1931)
6. Fred Holland Day (1864-1933)
7. Anne Brigman (1869–1950)
8. Karl Blossfeldt (1865-1932)
9. Vincenzo Galdi (1871-1961)
10. Selma Genthe (1873-1950)
11. Ernest J. Bellocq (1873-1949)
12. Jean Agélou (1878-1921)
13. Gerhard Riebicke (1878-1957)
14. Magnus Weidemann (1880-1967)
15. Friedrich Seidenstücker (1882-1966)
16. Imogen Cunningham (1883-1976)
17. Lotte Herrlich (1883-1956)
18. Hermann Schieberth (1883-1948)
19. Rudolf Koppitz (1884-1936)
20. Edward Weston (1886-1958)
21. Albert Arthur Allen (1886-1962)
22. Man Ray (1890-1976)
23. Florence Henri (1893-1982)
24. Josef Breitenbach (1896-1984)
25. Brassaï (1899-1984)
26. Yva (1900-1942)
27. Wynn Bullock (1902-1975)
28. Herbert List (1903-1975)
29. Bill Brandt (1904-1983)
30. Ruth Bernhard (1905-2006)
31. Horst P. Horst (1906-1999)
32. Philippe Halsman (1906-1979)
33. George Platt Lynes (1907-1955)
34. Andre de Dienes (1913-1985)
35. Konrad Helbig (1917-1986)
36. Helmut Newton (1920-2004)
37. Francesco Scavullo (1921-2004)
38. Milton Greene (1922-1985)
39. Diane Arbus (1923-1971)
40. Richard Avedon (1923-2004)

41–80 · Körper in der Nachkriegszeit, redaktionelle Kultur und Gegenkultur

41. Herbert Tobias (1924-1982)
42. Sam Haskins (1926-2009)
43. Günter Rössler (1926-2012)
44. Garry Winogrand (1928-1984)
45. Guy Bourdin (1928-1991)
46. Charlotte March (1929-2005)
47. George Dureau (1930-2014)
48. Bunny Yeager (1930-2014)
49. Bob Guccione (1930-2010)
50. Eikoh Hosoe (1933–2024)
51. David Hamilton (1933-2016)
52. Jeanloup Sieff (1933-2000)
53. Douglas Kirkland (1934-2022)
54. Lee Friedlander (1934-)
55. Günter Gueffroy (1944–2015)
56. Peter Hujar (1934-1987)
57. Jan Saudek (1935-)
58. Amos Badertscher (1936-)
59. David Bailey (1938-)
60. Joel-Peter Witkin (1939-)
61. Ralph Gibson (1939-)
62. Klaus Ender (1939–2021)
63. Nobuyoshi Araki (1940-)
64. Kishin Shinoyama (1940–2024)
65. Ewald Hoinkis (1897–1960)
66. Sarah Moon (1941-)
67. Oliviero Toscani (1942-)
68. Serge Lutens (1942-)
69. Albert Watson (1942-)
70. Peter Berlin (1942-)
71. Dianora Niccolini (1942-)
72. Larry Clark (1943-)
73. Guy Le Baube (1944-)
74. Sebastião Salgado (1944–2025)
75. Robert Farber (1944-)
76. Tamara Amhoff-Windeler (1945-2013)
77. Eric Kroll (1946-)
78. John Swannell (1946-)
79. Bruce Weber (1946-)
80. Robert Mapplethorpe (1946-1989)

81–120 · Identität, Mode, Performance und der erweiterte Akt

81. Suze Randall (1946-)
82. Paolo Roversi (1947-)
83. Dominique Isserman (1947-)
84. James Nachtwey (1948-)
85. Laurie Simmons (1949-)
86. Lois Greenfield (1949-)
87. Sally Mann (1951-)
88. Alain Daussin (1951-)
89. Herb Ritts (1952-2002)
90. Nan Goldin (1953-)
91. John Sexton (1953-)
92. Michael Kenna (1953-)
93. Klaus Mitteldorf (1953-)
94. Cindy Sherman (1954-)
95. Steven Meisel (1954-)
96. Annie Sprinkle (1954-)
97. Michael Thompson (1954-)
98. David Armstrong (1954-2014)
99. Richard Kern (1954-)
100. Matthew Rolston (1955-)
101. Andreas Gursky (1955-)
102. Anton Corbijn (1955-)
103. Sante D'Orazio (1956-)
104. Gilles Berquet (1956-)
105. Prabuddha Dasgupta (1956-2012)
106. Marc Lagrange (1957-2015)
107. Peter Klashorst (1957–2024)
108. Ingo Taubhorn (1957-)
109. Thomas Karsten (1958-)
110. Francesca Woodman (1958-1981)
111. Rineke Dijkstra (1959-)
112. Dahmane (1959-)
113. Tono Stano (1960-)
114. Helene Schmitz (1960-)
115. Gabriele Viertel (1960-)
116. Peter Coulson (1961-)
117. Vinoodh Matadin (1961-)
118. Nadav Kander (1961-)
119. Henning von Berg (1961-)
120. Vince Lussa (1961-)

121–160 · Zeitgenössische, globale und digital vermittelte Praxis

121. Michael Sonntag (1961-)
122. Corinne Day (1962-2010)
123. Gregory Crewdson (1962-)
124. Bettina Rance (1962-)
125. David LaChapelle (1963-)
126. Inez van Lamsweerde (1963-)
127. Marc Collins (1963-)
128. Olaf Martens (1963-)
129. Tom Munro (1964-)
130. Juergen Teller (1964-)
131. Dani Fehr (1964-)
132. Andreas H. Bitesnich (1964-)
133. Terry Richardson (1965-)
134. Karl Vanselow (1965-)
135. Jean-Baptiste Huynh (1966-)
136. David Sims (1966-)
137. Rankin (1966-)
138. Sylvie Blum (1967-)
139. Spencer Tunick (1967-)
140. Jens Brüggemann (1967-)
141. Jiří Růžek (1967-)
142. Platon (1968-)
143. Glen Luchford (1968-)
144. Manfred Baumann (1968-)
145. Dov Charney (1969-)
146. Petter Hegre (1969-)
147. Henrik Pfeifer (1972-)
148. Zanele Muholi (1972-)
149. Ron Kuhwede (1972-)
150. Bjarne Jonasson (1973-)
151. Astrid Susanna Schulz (1974-)
152. Yu Tsai (1975-)
153. Martin Rehm (1975-)
154. Aneta Bartos (1977-)
155. Juha Arvid Helminen (1977-)
156. Oliver Rath (1978-2016)
157. Niels van Roij (1979-)
158. Adrian Hamilton (1980-)
159. Kingdome 19 (1980-)
160. Burak Bulut Yıldırım (1982-)

Fragen, die sich Fotografen stellen

Wer hat die ersten Aktfotos gemacht?

Es gibt keinen einzigen, unumstrittenen Erstautor. Nackt-Daguerreotypien und Studien auf Papier tauchten schon bald nach der Erfindung der Fotografie auf, während Persönlichkeiten wie Eugène Durieu, Félix-Jacques Moulin, Bruno Braquehais und Gaudenzio Marconi den akademischen Akt des 19. Jahrhunderts als eigenständiges Genre etablierten.

Warum sollten kontroverse oder kommerzielle Fotografen einbezogen werden?

Denn Einfluss ist nicht dasselbe wie Tugend. Modemagazine, Erotikverlage, Zensurfälle, ausbeuterische Praktiken und kommerzielle Ästhetik haben die Art und Weise verändert, wie Körper fotografiert und verbreitet wurden. Würde man problematische Figuren ausklammern, ergäbe das eine „sauberere“ Liste und eine verfälschte Geschichtsdarstellung.

Welche Strömungen haben die Aktfotografie am stärksten verändert?

Der akademische Akt begründete den Anspruch der Kamera auf den Körper; die Moderne zerlegte die Anatomie in Formen; die Mode industrialisierte das Begehren; feministische und queere Praktiken stellten die Hoheit über den Blick in Frage; die digitale Verbreitung globalisierte den Zugang und schuf zugleich neue Formen der Zensur.

Wie kann ich diese Geschichte durch praktische Übungen erlernen?

Wählen Sie ein historisches Problem aus, anstatt ein historisches Bild zu kopieren: Abstraktion, Verhüllung, Konfrontation, Abfolge, Selbstporträt oder die Politik des Sehens. Unser Workshops zur Aktmalerei in Berlin und Istanbul Jede Ausgabe sollte sich um ein solches Thema drehen, wobei das Konzept und die Zusammenarbeit Vorrang vor der Nacktheit selbst haben sollten.

Die Geschichte, die auf dieser Seite erzählt wird, lebt in unseren Ateliers weiter. Jede Ausgabe ist um ein Konzept herum aufgebaut und nicht um eine Sammlung attraktiver Posen; Sexualität steht an dritter oder vierter Stelle hinter dem Thema, der Bildkomposition und der Zusammenarbeit zwischen Modell und Fotograf. Die Workshops richten sich an Fotografen, die eigenständige Werke schaffen möchten, anstatt Variationen desselben Aktbildes zu sammeln.

Unter der Leitung von Burak Bulut Yıldırım, in Berlin ansässiger Fotograf, zeitgenössischer Künstler, Kurator und Pädagoge, der seit 2005 beruflich tätig ist: seit über 14 Jahren Workshops zur Aktfotografie, über 50 Auflagen, über 300 teilnehmende Fotografen, Ausstellungen in Berlin, Zürich, Barcelona, Rom, Thessaloniki und Heilbronn sowie Kurator von Aktbilder aus Istanbul in der Akt Galerie Berlin im Jahr 2026, begleitet von einem bei Mijuk Papers Berlin erschienenen Hardcover-Band.

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Portfolio: burakbulut.org · Limitierte Auflagen auf Saatchi Kunst und Artsper · Kontakt: hello@nudeartworkshops.com