Die erste Aufnahme: Eine Geschichte der Pioniere der Aktfotografie (1840–1910)

Im moralischen Klima des 19. Jahrhunderts war der Akt ein Paradoxon. Malerei und Bildhauerei konnten ihn als ideal, mythologisch und in sicherer Distanz darstellen. Die Kamera konnte das nicht. Die Fotografie war zu wörtlich, zu schnell, zu offensichtlich von einer realen Person aufgenommen, die in einem realen Raum stand, und diese Wörtlichkeit verwandelte ein akzeptiertes Motiv in ein skandalöses. Die ersten Fotografen, die ihr Objektiv auf den unbekleideten Körper richteten, taten daher etwas, was Maler seit Jahrhunderten nicht mehr getan hatten: Sie gingen ein echtes Risiko ein. Dies ist die Geschichte davon, wie sie arbeiteten, was es sie kostete und warum jeder Aktfotograf heute noch immer die Fragen beantwortet, die sie aufgeworfen haben.

Ich schreibe dies als berufstätiger Fotograf, der unterrichtet Aktzeichnen in Berlin, was bedeutet, dass die folgenden Argumente für mich noch nicht endgültig geklärt sind. In jeder Sitzung, die ich leite, taucht eine Variante davon auf.

Die Hilfe des Künstlers: Der Akt als Studie (1840er–1860er Jahre)

Die Geschichte der Aktfotografie Es begann nicht als Kunst. Es begann als Dienst an der Kunst. Maler und Bildhauer benötigten anatomische Genauigkeit, und das neue Medium konnte diese mit einer Präzision liefern, die keine Skizze erreichen konnte – und das zu einem Bruchteil der Kosten, die entstanden wären, wenn ein Modell tagelang hätte posieren müssen. Diese Studien, die Studien nach der Natur, wurden toleriert, weil sie ein Alibi hatten: Sie existierten für die Staffelei eines anderen.

Paris regelte sogar den Handel damit. Eine beim staatlichen Archiv registrierte Aktstudie durfte offen an Künstler verkauft werden; dasselbe Bild, das nicht registriert und in eine Manteltasche gesteckt war, konnte seinen Schöpfer vor Gericht bringen. Die Grenze zwischen Kunst und Obszönität war von Anfang an eine administrative. Das hat sich bis heute nicht vollständig geändert.

Eugène Durieu (1800–1874): Die Gemeinschaftsstudie

Durieu, von Haus aus Jurist, schuf in direkter Zusammenarbeit mit Eugène Delacroix die bedeutendsten Studien dieser Zeit. Der Maler posierte die Modelle selbst; Durieu bediente die Kamera; Delacroix arbeitete anschließend anhand der Abzüge. Wenn man sich das Bild unten ansieht, erkennt man, wie sich dieser Austausch innerhalb eines einzigen Bildausschnitts vollzieht. Die Pose ist rein akademisch: die stehende Figur von hinten, die ausgeprägte S-Kurve, der theatralische Lichteinfall. Die Darstellung ist reine Fotografie: echte Haut, echtes Gewicht, nichts, was auf ein Ideal hin geglättet wurde. Die Malerei verlangte nach einer Göttin, und die Kamera lieferte eine Frau – und genau in der Spannung zwischen diesen beiden Tatsachen liegt der Ursprung dieses Genres.

Eugène Durieu, Studie nach Eugène Delacroix, um 1854

Félix-Jacques Moulin (1802–1875): Die Grenzen ausloten

Moulin arbeitete auf der anderen Seite derselben Straße. Seine stereoskopischen Daguerreotypien griffen die Bildsprache der akademischen Malerei mit ihren liegenden Figuren auf, doch der direkte Blick und die zeitgenössische Schlafzimmerkulisse entlarvten diese Tarnung. Im Jahr 1851 befand ein Gericht die Ergebnisse als obszön und verurteilte ihn zu einer kurzen Haftstrafe. Er kehrte in das Gewerbe zurück, später mit voller Lizenz, und seine Karriere verdeutlicht einen Punkt, der bis heute Gültigkeit hat: Die Rechtsgeschichte dieses Genres wurde nicht von Theoretikern geschrieben, sondern von Fotografen, die herausfanden, wo die Grenze verlief, indem sie sich direkt darauf begaben.

Félix-Jacques Moulin, stereoskopischer Daguerreotyp, 1850er Jahre

Das moralische Schlachtfeld: Zensur und Allegorie (1850er–1880er Jahre)

Mit dem Wachstum des Genres wuchs auch der Widerstand, und die Fotografen entwickelten ein Repertoire an Verteidigungsstrategien. Der wirkungsvollste Schachzug wurde aus der Malerei übernommen: Man hüllt den Akt in Mythologie, Gewänder oder moralische Erzählungen und lässt die klassischen Bezüge für sich sprechen.

Bruno Braquehais (1823–1875): Das klassische Alibi

Braquehais, ein gehörloser Fotograf, der später die Pariser Kommune dokumentierte, schuf „Académies“, die diese Strategie am deutlichsten verdeutlichen. Das Modell hält Stofffalten in den Händen, die sie gar nicht benötigt, die Pose ist zurückhaltend und formell, der Hintergrund ist ein leerer Atelierraum. Jedes Element verkündet: Dies ist Bildhauerei mit anderen Mitteln, kein Foto einer Frau. Man muss dieser Aussage nicht Glauben schenken. Das Gericht tat dies jedoch in der Regel.

Bruno Braquehais, Académie mit Faltenwurf

Oscar Gustave Rejlander (1813–1875): Die große Allegorie

Rejlander vergrößerte das Alibi auf Wandbildgröße. "The Two Ways of Life" (1857), eine aus über dreißig Negativen zusammengesetzte Fotomontage, inszenierte eine moralische Allegorie von Fleiß gegen Ausschweifung und füllte die ausschweifende Hälfte mit Aktdarstellungen. Der Skandal ließ nicht lange auf sich warten; die Rettung kam von oben, als Königin Victoria einen Abzug für Prinz Albert erwarb. Eine königliche Quittung bewirkte, was kein Manifest vermochte: Sie erklärte öffentlich, dass eine Fotografie mit Aktdarstellungen Kunst sein könne. Rejlanders sanftere Arbeiten, wie die untenstehende Kinderstudie, zeigen denselben viktorianischen Mechanismus in umgekehrter Richtung, der mit derselben theatralischen Kontrolle Unschuld inszeniert, mit der er zuvor die Sünde inszeniert hatte.

Oscar Gustave Rejlander, Kinderstudie

Parallele Wege: Der Analytiker und der Träumer

In den 1880er Jahren hatte sich das Genre in zwei Strömungen gespalten, die sich nie wieder vereinigt haben: Die eine betrachtete den Körper als Beweis, die andere als Flucht.

Thomas Eakins (1844–1916): Der analytische Blick

Eakins fotografierte den Akt so, wie ein Anatom seziert: um zu verstehen. Seine Bewegungssequenzen, die in denselben Jahren in Philadelphia entstanden, in denen Eadweard Muybridge an der University of Pennsylvania die Platten für "Animal Locomotion" produzierte, sind Vorläufer des Kinos und Zeugnisse eines Geistes, der den unbekleideten Körper als legitimes Studienobjekt betrachtete, Punkt. Amerika sah das anders. Der Comstock Act von 1873 hatte den Versand "obszönen" Materials zu einem Bundesverbrechen erklärt und den Akt damit in private Kreise verdrängt; 1886 wurde Eakins aus der Pennsylvania Academy ausgeschlossen, nachdem er vor einer gemischten Klasse einem männlichen Modell den Lendenschurz ausgezogen hatte. Die Fotografien überdauerten ihn; die Botschaft, die sie vermitteln – dass ehrliches Betrachten kein Verbrechen ist –, brauchte noch ein weiteres Jahrhundert, um sich durchzusetzen.

Thomas Eakins, Bewegungsstudie, 1880er Jahre

Wilhelm von Gloeden (1856–1931): Der arkadische Traum

In Taormina schuf von Gloeden das genaue Gegenteil: eine fiktive Antike, inszeniert mit sizilianischen Models, Amphoren und Lorbeerkränzen, beleuchtet vom echten Mittelmeer. Die homoerotische Ausstrahlung des Werks machte es in manchen Kreisen zu einem verbotenen Objekt, in anderen zu einem Sammlerstück – manchmal handelte es sich dabei sogar um dieselben Kreise. Historisch gesehen kommt es auf die Methode an. Von Gloeden bewies, dass die Fotografie eine Welt konstruieren und nicht nur festhalten kann und dass der Akt Sehnsucht vermitteln kann, nicht nur Anatomie. Jeder seitdem entstandene inszenierte, künstlerisch gestaltete Akt steht in technischer Schuld bei ihm, ob dies nun anerkannt wird oder nicht.

Wilhelm von Gloeden, Taormina, um 1900

Die Ästhetische Wende: Der Piktorialismus und der Akt als hohe Kunst (1880-1910)

Das Jahrhundert endete mit einer koordinierten Kampagne, die darauf abzielte, die Fotografie als bildende Kunst zu etablieren, und der Akt wurde zu einem ihrer Prüfsteine. Die Pictorialisten arbeiteten sich mit Unschärfe, Radierungen und Drucktechniken in Richtung Malerei vor und setzten darauf, dass ein Foto, das aufwendig bearbeitet wirkte, auch so interpretiert würde, wie es beabsichtigt war – und genau diese Absicht ist es, die eine Studie von einer Aussage unterscheidet.

Julia Margaret Cameron (1815–1879): Der ausdrucksstarke Hintergrund

Cameron fotografierte nur wenige Aktbilder, und doch ist dieses Genre ohne sie bis heute nicht denkbar. Ihre Porträts mit Weichzeichner-Effekt und ihre präraffaelitischen Allegorien bewiesen – trotz lautstarker zeitgenössischer Spottstimmen –, dass ein Foto Stimmung vor Schärfe und Gefühl vor Fakten stellen kann. Diese eine Erlaubnis bildet die Grundlage, auf der der künstlerische Akt steht. Bevor irgendjemand den Körper als Poesie fotografieren konnte, musste erst einmal jemand beweisen, dass die Kamera überhaupt Poesie schreiben durfte.

Julia Margaret Cameron, Porträtstudie, 1860er–70er Jahre

Fred Holland Day (1864–1933): Die symbolistische Vision

Day lotete die Grenzen dieser neuen Freiheit bis zum Äußersten aus. Seine männlichen Aktfotos, inszeniert als religiöse und mythologische Szenen und gipfelnd in einer Serie, in der er selbst als gekreuzigter Christus posierte, verbanden symbolistischen Anspruch mit einer offen homoerotischen Sensibilität. Die Bostoner Gesellschaft war entsetzt; die Fotografien zählen nach wie vor zu den ernsthaftesten Bildern jener Zeit. Days Lehre dreht sich um das, was auf dem Spiel steht: Er nutzte den Akt als Mittel, um die größten Themen zu behandeln, die er sich vorstellen konnte, und sein Werk hat alle überdauert, die es als unanständig empfanden.

Fred Holland Day, Porträtstudie

Frank Eugene (1865–1936): Der malerische Druck

Eugene führte den Pictorialismus zu seinem logischen Ende, indem er das Negativ selbst in Angriff nahm: Er zerkratzte, ätzte und zeichnete darauf, bis der Abzug auf halbem Weg zwischen Fotografie und Kohlezeichnung lag. Das Ergebnis sorgt für eine nützliche Verwirrung. Man kann seine Aktbilder nicht als Dokument betrachten, denn überall ist die Hand am Werk; man kann sie nur als Bilder betrachten. In einer Zeit, in der Fotografien des Körpers weitaus strenger kontrolliert wurden als Zeichnungen davon, war diese Verwirrung auch ein Schutzschild.

Frank Eugene, bearbeiteter Druck

Anne Brigman (1869–1950): Beide Seiten der Linse

Eine weitere Pionierin gehört hierher, und ihre Auslassung in den meisten Darstellungen dieser Geschichte ist selbst Teil der Geschichte. Anne Brigman, ein Mitglied von Stieglitz" Photo-Secession, wanderte in die Sierra Nevada und fotografierte ihren eigenen nackten Körper inmitten von vom Wind gekrümmten Kiefern und Granit, in Bildern wie "Soul of the Blasted Pine“ (1908). Sie tat etwas, was kein Mann in diesem Artikel tun konnte: Sie stand gleichzeitig auf beiden Seiten der Linse – als Urheberin und als Motiv – und verwandelte den Akt von etwas Aufgenommenem in etwas In-Besitz-Genommenes. Wenn man heute den Körper fotografiert und Wert auf die Eigenbestimmung des Modells im Bild legt, führt die eigene Tradition auf sie zurück.

Die ununterbrochene Linie

Lässt man das Kollodium und die Gerichtstermine einmal beiseite, so stritten sich die Pioniere um vier Fragen: Ist eine Fotografie des Körpers Kunst oder Dokument? Soll der Körper idealisiert oder so gezeigt werden, wie er ist? Wer hat die Kontrolle über das Bild – die Person hinter der Kamera oder die Person davor? Und wer entscheidet, was die Öffentlichkeit kann sehen? Keine davon ist beendet. Sie haben lediglich ihr Gewand gewechselt: Aus dem staatlichen Archiv wurde der Plattformalgorithmus, aus der Lizenz der Académie die Inhaltsrichtlinie, und der neueste Streit um Bilder von Körpern, die noch nie eine Kamera gesehen hat, ist der älteste Streit in neuem Gewand. Meine eigene Antwort auf diesen letzten Punkt ist physisch geblieben: Alles in meiner bildenden Kunst entsteht vor der Kamera, mit einer echten Person, echtem Licht und echtem Stoff, denn die Zusammenarbeit ist das Werk, nicht ein Produktionsschritt.

Berlin, wo ich lebe und unterrichte, ist das ideale Experimentierfeld, um dieses Experiment fortzusetzen. Die Freikörperkultur-Tradition der Stadt betrachtet den nackten Körper als etwas Alltägliches, wodurch sich der Raum für etwas Interessanteres als die Nacktheit an sich eröffnet. Das ist die Prämisse des Workshops, die ich hier und in Istanbul durchführe: Jede Ausgabe geht von einem Konzept aus – so wie Durieu von Delacroix’ Idee und Day von der Heiligen Schrift ausging –, und die Fotografien folgen dieser Idee, statt dass es umgekehrt wäre. Die Pioniere haben diesem Genre seine Daseinsberechtigung verschafft. Wir sind es ihnen schuldig, dafür zu sorgen, dass es weiterhin Bedeutung hat.

Into the Wild — Burak Bulut Yıldırım

Fragen, die sich Fotografen stellen

Wer hat die ersten Aktfotos gemacht?

Nur wenige Jahre nach der Vorstellung der Fotografie im Jahr 1839 tauchten bereits Akt-Daguerreotypien auf, vor allem in Paris als Studienvorlagen für Maler. Die Zusammenarbeit von Durieu mit Delacroix in den frühen 1850er Jahren ist das früheste dokumentierte künstlerische Projekt dieses Genres, das über einen längeren Zeitraum hinweg durchgeführt wurde.

Seit wann gilt die Aktfotografie als Kunst?

Langsam und nie ganz. Der Kauf von Rejlanders Kompositbild durch Königin Victoria im Jahr 1857 war ein früher Schock, der der Kunst Legitimität verlieh; die Pictorialisten gewannen um 1900 institutionellen Boden; im 20. Jahrhundert folgten die Museen. Die Zensur im Zeitalter der sozialen Plattformen zeigt, dass die Akzeptanz nach wie vor an Bedingungen geknüpft ist.

Was ist eine „Académie“?

Eine Aktstudie für Künstler, die der französischen akademischen Tradition entspringt. Im Paris der 1850er Jahre bezeichnete der Begriff zudem eine rechtliche Kategorie: Registrierte Aktstudien durften offen verkauft werden, während nicht registrierte Aktstudien eine Strafverfolgung wegen Obszönität riskierten.

Wo kann ich heute in der Praxis den künstlerischen Akt studieren?

Arbeiten Sie mit Fotografen zusammen, die diese Kunstform eher als konzeptionelle Disziplin denn als Glamour-Format vermitteln. Unsere Workshops in Berlin und Istanbul basieren genau auf den Fragen, denen dieser Artikel nachgeht, wobei das Model als Mitwirkende und das Konzept – nicht die Nacktheit – im Mittelpunkt stehen. Weiterführende Artikel auf dieser Website: sich als somatische Sprache ausgeben und Beleuchtung des Aktes.

Diese Workshops sind keine Glamour-Sessions. Jede Ausgabe basiert auf einem Konzept, und die Sexualität wird bewusst an dritte oder vierte Stelle verwiesen – hinter dem Thema, der Form und der Zusammenarbeit zwischen Fotograf und Model; die Teilnehmer nehmen Bilder mit, die Teil einer Idee sind. Die Workshops finden seit über vierzehn Jahren statt, es gab bereits mehr als fünfzig Ausgaben mit über dreihundert Fotografen unter der Leitung von Burak Bulut Yıldırım, ein seit 2005 tätiger Fotograf und Kurator aus Berlin, der bereits in Berlin, Zürich, Barcelona, Rom, Thessaloniki und Heilbronn ausgestellt hat, sowie Kurator von Aktbilder aus Istanbul (Die Akt Galerie Berlin, 2026; gebunden, Mijuk Papers Berlin).

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Portfolio: burakbulut.org · Limitierte Auflagen auf Saatchi Kunst und Artsper · Kontakt: hello@nudeartworkshops.com