Die glänzende Revolution: Wie Mode und Glamour die Aktfotografie prägten (1950er-1970er Jahre)

Die Zeit zwischen den 1950er und 1970er Jahren wurde von einer neuen, starken Kraft angetrieben: der Konsumkultur. Der wirtschaftliche Aufschwung der Nachkriegszeit im Westen führte zu Massenmagazinen wie Vogue, Harper’s Bazaarund das neu eingeführte Playboy, die einen beispiellosen Einfluss ausübten. Mit riesigen Budgets und einem riesigen Publikum wurden diese Publikationen zu den neuen Förderern der Fotografie und beauftragten Künstler damit, Bilder zu schaffen, die nicht nur schön, sondern auch provokativ, inspirierend und vor allem begehrenswert waren. Dieses dynamische Umfeld ließ die Grenzen zwischen Mode, Glamour und bildender Kunst zunehmend verschwimmen und schuf einen kühnen, kommerziell geprägten und unverhohlen sexuellen Stil von Mode Aktfotografie die eine Ära definierten und uns bis heute beeinflussen.

Ich nähere mich dieser Geschichte als Fotograf, der seit 2005 sowohl im Bereich der kommerziellen Fotografie als auch der bildenden Kunst tätig ist. Diese Überschneidung ist von Bedeutung, da dieselben Beleuchtungs- oder Styling-Elemente ihre Bedeutung ändern, wenn sie von einem redaktionellen Auftrag in eine eigenständige Serie übergehen. Diese Unterscheidung ist Teil des konzeptorientierten Lehransatzes, der auf der Startseite der Aktmalerei-Workshops.

Glanz war nie oberflächlich. Es war eine Technologie der Autorität. Perfekte Druckqualität, teure Kulissen und kontrollierte Körper ließen die Fantasiewelt unvermeidlich erscheinen, und genau diese scheinbare Unvermeidbarkeit verlieh der Modefotografie ihre kulturelle Kraft.

Der kulturelle Kontext: Eine Welt im Umbruch

Diese fotografische Revolution wurde durch den Wohlstand der Nachkriegszeit, die hohe Auflage von Massenzeitschriften und das öffentliche Verlangen nach Bildern vorangetrieben, die befreiter wirkten, als sich der Alltag anfühlte. Die Antibabypille, die 1960 in den Vereinigten Staaten eingeführt wurde und sich in Europa verbreitete, war einer der entscheidenden Auslöser der sexuellen Revolution: Sie trug dazu bei, Sex in der öffentlichen Vorstellung von der zwangsläufigen Fortpflanzung zu lösen. Feminismus, Queer-Befreiung, Zensurkämpfe und Werbegelder verwandelten diesen Wandel in einen visuellen Krieg darum, wer Begehren zeigen durfte, wer davon profitieren konnte und wessen Körper die Botschaft vermitteln sollte.

Das Magazin als Förderer, Herausgeber und Vertriebskanal

Ein Zeitschriftenauftrag beschränkte sich nie nur auf einen Fotografen und ein Model. Artdirektoren, Mode-Redakteure, Stylisten, Verleger, Werbekunden und Druckereien bestimmten den Umfang und die Reihenfolge, in der ein Bild erschien. Ein Kontaktabzug konnte zum Titelbild, zu einer Doppelseite oder zu einem kleinen Begleitbild werden, und jede Verwendung veränderte seine Wirkung.

Auch die Reproduktion spielte eine Rolle. Kontrastreiche Schwarz-Weiß-Bilder ließen sich im groben Druckverfahren anders umsetzen als feine Tonwertarbeiten; Farbdiapositive erforderten eine sorgfältige Planung hinsichtlich Druckfarben und Papier. Der “glänzende” Look war daher sowohl ein ästhetisches Merkmal als auch ein Produktionsverfahren.

Helmut Newton (1920–2004): Der Schöpfer des "Porno-Chic"

Helmut Newton

Kein Fotograf verkörperte den gefährlichen Glamour dieser Zeit so vollkommen wie Helmut Newton. Er verschmolz Haute Couture, Voyeurismus, Luxus, Dominanz und erotische Bedrohung zu Bildern, die wie Beweismaterial von einem sehr teuren Tatort wirken. Seine Frauen sind groß, einschüchternd und amazonenhaft; sie nehmen Hotels, Straßen und Villen ein, als gehörten ihnen sowohl die Architektur als auch der Betrachter. “Porno-Chic” war nicht bloß unverblümte Sexualität mit besserem Styling. Es waren die Machtspiele der Pornografie, neu inszeniert mit den Budgets und der visuellen Autorität der Haute Couture.

Die Newtonsche Frau: Macht, Androgynität und Voyeurismus

Newtons berühmtes Diptychon, "Sie kommen" (1981)ist eine perfekte Destillation seiner Philosophie. Es konfrontiert direkt mit der Beziehung zwischen Mode, Macht und dem Körper, indem es vier Modelle zeigt, die zunächst in Power Suits gekleidet und dann völlig nackt vorwärts gehen. Die Aussage ist klar: Für Newtons Frauen sind Kleidung und Nacktheit beides Uniformen der Macht. In ähnlicher Weise sind seine "Große Akte" Serie, die von der strengen Ästhetik der deutschen Polizeifotos inspiriert ist, stellt die weibliche Form als monumental und konfrontativ dar und verwandelt das Modell in eine überragende Ikone, die auf den Betrachter starrt.

Helmut Newton

Beides Sie kommen und die Große Aktbilder stammen aus dem Jahr 1981 oder der Wende dieses Jahrzehnts und liegen damit außerhalb des im Titel genannten Zeitraums von 1950 bis 1970. Sie wurden aufgenommen, weil sie Strategien konsolidieren, die Newton in der früheren Zeitschriftenära entwickelt hatte. Diese Unterscheidung ist wichtig: Es handelt sich hierbei um Folgen der Hochglanz-Revolution, nicht um Belege aus ihrer ersten Phase.

Newtons Frauen sind kraftvoll, und die Bilder objektivieren sie. Beide Aussagen können gleichzeitig wahr sein. Genau dieser Widerspruch ist der Grund, warum das Werk nach wie vor brisant ist: Das Modell scheint die Szene zu dominieren, während der Auftraggeber, der Fotograf und der Betrachter weiterhin die Bedingungen des Betrachtens bestimmen. Diese Spannung wird aus der entgegengesetzten Perspektive beleuchtet in Die Geschichte der Fotografinnen, die das Aktbild neu definieren.

Richard Avedon (1923–2004): Der minimalistische Blick

Richard Avedon

Während Newton filmische Welten schuf, räumte Richard Avedon sie aus dem Weg. Avedon, der in erster Linie Mode- und Porträtfotograf war, brachte eine minimalistische Kraft in die Aktfotografie ein. Mit seinem charakteristischen weißen Hintergrund entfernte er jeglichen Kontext und erzwang so eine direkte und intime Konfrontation zwischen dem Betrachter und dem Motiv. Bei seinen Aktfotos geht es weniger um Erotik als vielmehr darum, die Verletzlichkeit, die Individualität und den wesentlichen Charakter der Person vor seiner Linse zu enthüllen.

Das Atelier als Labor: Charakter über Kontext

Der weiße Hintergrund diente Avedon als psychologische Leinwand. Er glaubte, durch die Isolierung seiner Motive von jeglicher Umgebung eine tiefere Wahrheit über ihren Charakter einfangen zu können. Sein legendäres Foto von 1981, "Nastassja Kinski und die Schlange"," Dies wird hier perfekt veranschaulicht. Die sich windende Schlange spiegelt die Kurven von Kinskis Körper wider und betont sie, wodurch ein kraftvolles Symbol für Versuchung, Gefahr und ursprüngliche Schönheit entsteht. Es zeugt von Avedons Genialität, dass er allein mit einem Körper, einem Requisit und einer leeren Wand eine so facettenreiche, mythologische Erzählung schaffen konnte.

Richard Avedon

Nastassja Kinski und die Schlange wurde 1981 fotografiert und dient daher hier eher als Nachbild dieser Zeit denn als Beispiel aus den 1970er Jahren. Seine Wirtschaftlichkeit verdeutlicht, was sich in den vorangegangenen Jahrzehnten etabliert hatte: Eine Modezeitschrift konnte ein Bild finanzieren, das weit über das Kleidungsstück oder die Ausgabe hinaus, für die es in Auftrag gegeben worden war, Verbreitung finden sollte.

Sam Haskins (1926–2009): Der grafische Innovator

Sam Haskins

Sam Haskins brachte eine spielerische, grafische und zutiefst innovative Sensibilität in die Aktfotografie ein. Wo Newton filmisch und Avedon minimalistisch war, war Haskins ein Geschichtenerzähler. Seine bahnbrechenden Fotobücher waren nicht nur Sammlungen von Bildern, sondern erzählende Fotoromane. Er verwendete kontrastreiche Drucke, kreative Beschneidungen, Körnung und Mehrfachbelichtungen, um einen dynamischen und frischen visuellen Stil zu schaffen, der weit von den traditionellen, statischen Aktfotos entfernt war.

Jenseits des Einzelbildes: Das Aufkommen des Fotoromans

Sein berühmtes Buch "Cowboy Kate & andere Geschichten" (1964) war ein bahnbrechendes Werk der sequentiellen visuellen Erzählung, das Modestrecken über Jahrzehnte hinweg beeinflusste. Das Bild aus "November Girl" unten, mit seiner spielerischen Verwendung eines Apfels, ist charakteristisch für Haskins' Ansatz: sinnlich und schön, aber auch witzig, charmant und voll von einem freudigen, befreiten Geist, der den Optimismus der 1960er Jahre perfekt einfing.

Sam Haskins

Der Unterschied zwischen den beiden Büchern liegt ebenso sehr im Rhythmus wie im Thema. Cowgirl Kate erschafft über mehrere Seiten hinweg eine erzählerische Welt; November-Mädchen nutzt Requisiten, grafische Kontraste und episodisches Spiel, um die Sequenz in Bewegung zu halten.

Sam Haskins

In Haskins’ Büchern wird die Reihenfolge Teil des Fotos. Wiederholungen, das Umblättern der Seiten, Bildausschnitte und grafischer Rhythmus schaffen eine Bedeutung, die kein einzelnes Bild für sich allein enthält. Wenn man heute eine redaktionelle Serie zusammenstellt, lautet die entscheidende Frage nicht nur, welches Bild am stärksten ist, sondern auch, welches Bild die Bedeutung des nächsten verändert.

Chronisten einer Ära: Andere einflussreiche Persönlichkeiten

Neben den großen Architekten haben auch viele andere talentierte Fotografen den Zeitgeist eingefangen und definiert.

Jeanloup Sieff (1933–2000): Der elegante Blick

Jeanloup Sieff war bekannt für seinen eleganten, oft skurrilen und ausgesprochen europäischen Ansatz. Er verwendete häufig Weitwinkelobjektive, um die menschliche Form zu verlängern und zu verzerren, und schuf anmutige und dramatische Kompositionen, die mit tiefen Schatten und starken Lichtern spielten. Sein kraftvolles und umstrittenes Aktporträt der Modedesignerin von 1971 Yves Saint-Laurent für seine eigene Parfümkampagne war ein bahnbrechender Moment, der Geschlechternormen in Frage stellte und die Welten der Haute Couture, der Prominenz und der Kunst perfekt miteinander verband.

Jeanloup Sieff

Guy Bourdin (1928–1991): Surrealismus, Fetischismus und Fatalismus

Guy Bourdin lernte Man Ray zu Beginn seiner Karriere kennen und integrierte surrealistische Strategien in seine Arbeit, wodurch seine Modefotografie für französische Vogue sowie Schuhe von Charles Jourdan. Er schuf komplexe, geheimnisvolle und farbenprächtige Erzählungen, in denen die menschliche Gestalt – ob nackt oder bekleidet – oft nur ein Element einer bizarren und bisweilen unheimlichen Geschichte war. Seine Arbeiten beschäftigten sich mit fetischistischer Bildsprache, wobei der Fokus oft auf Beinen und Schuhen lag, und waren von einem Gefühl drohenden Dramas oder unsichtbarer Gefahr durchdrungen, wodurch er die Werbefotografie in den Bereich des Psychothrillers rückte.

Guy Bourdin

Bert Stern (1929–2013): „The Last Sitting“

Bert Sterns legendäres Fotoshooting mit Marilyn Monroe, aufgenommen für Vogue Nur sechs Wochen vor ihrem Tod ist diese Fotoserie zu einem kulturellen Meilenstein geworden. "The Last Sitting" umfasst eine Reihe intimer Porträts – sowohl bekleidet als auch nackt –, die eine unverfälschte Verletzlichkeit einfangen. Das berühmte Bild von Monroe mit einem halbtransparenten Schal offenbart eine Zerbrechlichkeit und Erschöpfung, die zutiefst ergreifend ist und die Erinnerung der Öffentlichkeit an den ikonischen Star für immer als schöne, aber tragische Figur geprägt hat.

Bert Stern

Die 'Swinging Sixties' im Bild: David Bailey und Peter Knapp

David Bailey (1938–heute) war eine zentrale Figur des "Swinging London" und verlieh der Modefotografie einen direkten, energiegeladenen und systemkritischen Charakter. Seine Arbeiten fingen die freigeistige Haltung dieses Jahrzehnts ein. Als künstlerischer Leiter bei Elle Zeitschrift, Peter Knapp (1931–heute) brachte eine revolutionäre, moderne und grafische Sensibilität in die Mode. Seine dynamischen Cover, wie das unten abgebildete, betonten Bewegung, kräftige Farben und Typografie und beeinflussten die Art und Weise, wie der Körper sowohl in der Mode als auch in der bildenden Kunst dargestellt wurde.

Peter Knapp

Was zeitgenössische Fotografen aufnehmen und ablehnen sollten

Diese Epoche liefert eine anschauliche Lektion in Sachen Produktion: Vorvisualisierung ist entscheidend. Newtons Inszenierung, Avedons Reduktion, Haskins’ Bildfolge und Bourdins Farbgebung waren Systeme, keine Filter. Um diese Referenzen ernsthaft zu nutzen, muss man das System identifizieren, das man übernimmt. Ist es die frontale Ausstrahlung der Figur, der weiße Hintergrund, die redaktionelle Bildfolge, das Requisit, der Bildausschnitt oder die Beziehung zwischen Produkt und Körper?

Diese Ära hat uns auch eine Reihe visueller Gifte beschert: erzwungene Jugendlichkeit, extreme Schlankheit, rassistische Ausgrenzung und die Annahme, dass die Verfügbarkeit einer Frau Teil des Produkts sei. Das Zitieren von Newton oder Bourdin macht ein zeitgenössisches Foto noch nicht kritisch. Der Verweis wird erst dann kritisch, wenn Casting, Urheberschaft, Freigabe und Veröffentlichung die Machtstruktur verändern, anstatt lediglich deren Verführungskraft neu zu inszenieren.

In meiner eigenen Arbeit trenne ich die Präzision, die ich bei kommerziellen Fotoshootings gelernt habe, vom Zweck einer Kunstserie. Die Beleuchtung lässt sich zwar ebenso kontrollieren, doch das Bild braucht einen anderen Daseinsgrund. Deshalb stützt sich meine derzeitige künstlerische Praxis eher auf physische, kamerainterne Methoden als auf generative Bildproduktion: Das Ergebnis muss aus einem Körper, einem Set, Licht und Entscheidungen entstehen, die gemeinsam im realen Raum getroffen werden. Die späteren Auswirkungen der Magazinkultur setzen sich fort in Debatten in der zeitgenössischen Aktfotografie über Identität und Medien.

Schlussfolgerung: Die permanente Verschmelzung von Kunst und Kommerz

Die Fotografen dieser Ära schufen nicht nur unvergessliche Bilder; sie gestalteten das Verlangen nach Massenverbreitung neu. Sie brachten künstlerische Aktfotografie in Zeitschriften, Parfümkampagnen und Modestrecken ein, bis die Grenze zwischen kultureller Provokation und kommerzieller Überzeugungskraft dauerhaft ins Wanken geriet. Sie bewiesen, dass Sex gleichzeitig Raffinesse, Gefahr, Rebellion und Status verkaufen kann. Jedes seitdem entstandene Hochglanz-Körperbild – einschließlich der Bilder, die sich dieser Tradition widersetzen – funktioniert nach wie vor in der visuellen Ökonomie, die sie geschaffen haben.

Fragen, die Fotografen zu Mode und Aktfotografie stellen

Warum sind in einem Artikel über die 1950er- bis 1970er-Jahre Fotos aus dem Jahr 1981 enthalten?

Sie kommen und Nastassja Kinski und die Schlange werden als krönende Werke betrachtet. Sie bündeln die visuellen Strategien, die in der vorangegangenen Zeitschriftenära entwickelt wurden, und zeigen deren Fortsetzung bis in die frühen 1980er Jahre.

Was hat sich in den Modemagazinen technisch verändert?

Sie finanzierten größere Produktionen und machten Bildreihen, Seitenlayout, Reproduktion und die Reichweite des Publikums zu einem Bestandteil der fotografischen Urheberschaft. Das Endergebnis war oft eine Doppelseite oder ein Buch und nicht nur ein einzelner Abzug.

Wie kann ich auf Newton oder Bourdin Bezug nehmen, ohne sie zu kopieren?

Benennen Sie das zugrunde liegende Stilmittel: Frontalperspektive, filmischer Schauplatz, Farbspannung, fetischisierter Bildausschnitt oder angedeutete Erzählung. Bauen Sie dieses Stilmittel um Ihr eigenes Thema, Ihre eigene Ethik und Ihr eigenes Konzept herum neu auf, anstatt eine wiedererkennbare Pose zu reproduzieren.

Wird in den Workshops Aktfotografie im Modestil vermittelt?

Unser Workshops in Berlin und Istanbul Sie mögen sich zwar an der Modegeschichte orientieren, vermitteln jedoch kein Repertoire an glamourösen Posen. Jede Ausgabe ist nach einem bestimmten Konzept aufgebaut; Styling und Beleuchtung unterstreichen die Form und die Zusammenarbeit zwischen Fotograf und Model, während Sexualität dabei im Hintergrund bleibt.

Diese Workshops richten sich an Fotografen, die die Mechanismen hinter einflussreichen Bildern verstehen wollen und nicht nur deren äußere Erscheinung nachahmen möchten. Jede Ausgabe beginnt mit einem Konzept und behandelt Styling, Licht und Bildabfolge als Werkzeuge; die Zusammenarbeit mit den Models und die Form bestimmen die Arbeit, wobei die Sexualität im Hintergrund der zentralen Idee bleibt.

Unter der Leitung von Burak Bulut Yıldırım, ein in Berlin ansässiger Fotograf, zeitgenössischer Künstler, Kurator und Pädagoge, der seit 2005 beruflich tätig ist. Die Aktfotografie-Workshops finden seit über 14 Jahren statt und wurden bereits mehr als 50 Mal mit über 300 teilnehmenden Fotografen durchgeführt. Seine Arbeiten wurden in Berlin, Zürich, Barcelona, Rom, Thessaloniki und Heilbronn ausgestellt, und er kuratierte Aktbilder aus Istanbul in der Akt Galerie Berlin im Jahr 2026, begleitet von einer gebundenen Ausgabe von Mijuk Papers Berlin.

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Portfolio: burakbulut.org · Limitierte Auflagen auf Saatchi Kunst und Artsper · Kontakt: hello@nudeartworkshops.com