Der Körper als Schlachtfeld: Aktfotografie in der Gegenwart (1970er Jahre bis heute)

Ab den 1970er Jahren verlangte der nackte Körper nicht mehr danach, schön zu sein, sondern danach, gehört zu werden. Angetrieben von der zweiten Welle des Feminismus, der LGBTQ+-Rechte-Bewegung, der AIDS-Krise und dem Aufkommen der Identitätspolitik verwandelten Fotografen den nackten Körper in einen umkämpften Schauplatz, an dem die drängendsten Debatten der Zeit – über Geschlecht, Rasse, Begehren, Krankheit und Macht – auf der Haut inszeniert wurden. Das bestimmende Merkmal dieser Zeit ist eine radikale Erweiterung der Stimmen und Körper: Wer fotografiert, wer wird fotografiert und was darf das Foto für sich beanspruchen? Die damit verbundenen Auseinandersetzungen erreichten Gerichtssäle, Debatten im Kongress und Museumsvorstände, und einige davon dauern bis heute an.

I in Berlin Aktfotografie betreiben und unterrichten, weshalb diese Ära für mich von unmittelbarer Bedeutung ist; mehr als eines der unten aufgeführten Argumente zieht sich durch meine eigene Arbeitswoche im Atelier.

Robert Mapplethorpe (1946-1989): Der Provokateur der Kulturkriege

Robert Mapplethorpe

Kein Fotograf hat die amerikanische Definition von Kunst so öffentlich auf die Probe gestellt wie Mapplethorpe. Seine Retrospektive "The Perfect Moment" löste einen Kulturkrieg aus: Die Corcoran Gallery of Art sagte die Ausstellung 1989 in Washington unter politischem Druck wegen ihrer mit Bundesmitteln finanzierten Inhalte ab, und als sie 1990 im Contemporary Arts Center in Cincinnati Station machte, wurden das Museum und sein Direktor Dennis Barrie wegen Obszönität angeklagt – die erste Strafverfolgung eines amerikanischen Museums wegen einer Ausstellung. Die Jury sprach sie frei, und das Urteil gilt bis heute als tragende Säule für die rechtliche Stellung provokativer Kunst. Mapplethorpe selbst war 1989 an den Folgen einer AIDS-Erkrankung gestorben, Monate bevor die Auseinandersetzungen um sein Werk ihren Höhepunkt erreichten.

Der klassische Körper, der queere Blick

Die explosive Kraft in seinem Werk entstand aus einer bewussten Kollision: Die formale Perfektion der Renaissance-Skulptur wurde auf Themen angewendet, die der Mainstream als unaussprechlich abgetan hatte – vor allem seine Dokumentation der New Yorker BDSM-Subkultur. Er nutzte die legitimierende Sprache der hohen Kunst, um queeres Verlangen zu validieren, und "Man in Polyester Suit" (1980) zeigt diese Konfrontation in ihrer ganzen Wucht; der enge Bildausschnitt wirft Fragen zu Rasse, Sexualität und der Politik des Blicks auf, über die Kritiker seitdem diskutieren.

"Man in Polyester Suit" (1980) von Robert Mapplethorpe

Weiblichkeit in Frage stellen: Die Lisa-Lyon-Reihe

Seine Zusammenarbeit mit Lisa Lyon, der Gewinnerin der ersten Bodybuilding-Weltmeisterschaft der Frauen im Jahr 1979, stellte eine andere Konvention in Frage. Indem er ihren muskulösen Körperbau mit derselben klassischen Ehrfurcht fotografierte, die er auch seinen männlichen Aktmodellen entgegenbrachte, und das Projekt 1983 in dem Buch "Lady" veröffentlichte, präsentierte Mapplethorpe eine weibliche Stärke, für die es in der Kunstgeschichte keinen Platz gab. Die Bilder brachten die feministische Frage des Jahrzehnts in visuelle Form: Wer hatte entschieden, dass Macht und Weiblichkeit Gegensätze seien?

„Lisa Lyon“ (1982) von Robert Mapplethorpe

Nan Goldin (1953–heute): Das Persönliche ist politisch

Nan Goldin

Während Mapplethorpe die Formensprache der Galerie in Frage stellte, verlegte Goldin den Kampf ins Schlafzimmer. "The Ballad of Sexual Dependency" (1986) ist ein visuelles Tagebuch ihrer selbst gewählten Familie in den Boheme-Untergrundszenen von Boston, New York und Berlin: Liebhaber, Freunde, Drag Queens, Süchtige, fotografiert in der Ehrlichkeit von Schnappschüssen durch Liebe, Gewalt und Verlust. Die Nacktheit in der "Ballad" ist niemals inszeniert; sie zeigt einfach, wie Intimität von innen heraus aussieht, und als AIDS die Gemeinschaft, die sie dokumentiert, verwüstete, wurde das Tagebuch zu einem unersetzlichen Archiv einer Generation. Goldins Kampf endete damit jedoch nicht: 2017 gründete sie P.A.I.N., um die Familie Sackler für die Opioidkrise zur Verantwortung zu ziehen, die sie beinahe das Leben gekostet hätte, und ihre Proteste vor Museen trugen dazu bei, den Namen Sackler aus Institutionen weltweit zu verbannen – eine Geschichte, die in „All the Beauty and the Bloodshed“ erzählt wird, das 2022 den Goldenen Löwen in Venedig gewann. Nur wenige Karrieren verdeutlichen so umfassend, dass das Persönliche politisch ist.

Aus "The Ballad of Sexual Dependency" von Nan Goldin

Sally Mann (1951–heute): Die umstrittene Matriarchin

Sally Mann

Manns Nassplattenfotografien ihrer Familie und des amerikanischen Südens strahlen eine malerische Zeitlosigkeit aus, in die sich ihr Inhalt jedoch nicht einordnen lässt. "Immediate Family" (1984–1994), zu der auch Aktfotos ihrer kleinen Kinder auf der Farm der Familie in Virginia gehörten, spaltete die Öffentlichkeit: Für die einen eine Idylle unbeaufsichtigter Kindheit, für andere eine beunruhigende Entblößung – und Auslöser einer jahrzehntelangen Debatte über mütterliche Autorschaft, Unschuld und die eigenen Projektionen des Betrachters. Ihre spätere Umkehrung des Blicks auf den Körper ihres Mannes in "Proud Flesh" wird in Unser Artikel über die Frauen, die das Aktbild neu definiert haben; gemeinsam zeigen die beiden Serien, wie weit ein einziger unerschrockener Blick die Fragen nach Familie und Körper ausloten kann.

Aus "Immediate Family" von Sally Mann

Joel-Peter Witkin (1939–heute): Das Groteske und das Abscheuliche

An der dunkelsten Grenze des Genres schafft Witkin makabre Tableaus aus den äußersten Randbereichen der Existenz: Leichen, intersexuelle Körper, körperliche Andersartigkeit – inszeniert mit der kompositorischen Ernsthaftigkeit von Goya und Bosch und auf zerkratzten, abgenutzten Negativen gedruckt, die die Bilder wie Relikte einer albtraumhaften Zivilisation wirken lassen. Sein Werk setzt sich mit dem auseinander, was die Philosophin Julia Kristeva als das Abjekte bezeichnete – jenes, was Identität, System und Ordnung erschüttert und den Betrachter zwingt, seine eigene Grenze zwischen dem Heiligen und dem Unerträglichen zu ziehen. Angesichts des expliziten Charakters der Arbeiten werden hier keine Bilder wiedergegeben; Werke wie "The Kiss" bleiben gerade deshalb Meilensteine transgressiver Kunst, weil sie eine bequeme Betrachtung verweigern.

Cindy Sherman (1954 bis heute): Der postmoderne Körper dekonstruiert

Shermans Wende zur Gegenwart führte ihre Dekonstruktion des Bildes weit über ihren eigenen Körper hinaus. In den "Sex Pictures" (1992) arrangierte sie medizinische Puppen und Prothesenteile zu expliziten, klinischen Tableaus: der weibliche Körper als wörtliche Zusammenstellung von Komponenten, die Fragmentierung der Pornografie, inszeniert ohne jede Fantasie. Indem sie sich selbst aus dem Bild nahm, führte sie die Argumentation dieser Epoche zu ihrem postmodernen Endpunkt, an dem der "natürliche" Körper das Bild verlassen hat und nur noch der konstruierte übrig bleibt – eine Schlussfolgerung, die im Zeitalter synthetischer Bildwelten wieder anders gelesen wird.

Den Körper zurückerobern: Identität, Ethnie und Queerness

Für Künstler aus marginalisierten Gemeinschaften, politische Aktkunst wurde zu einem Instrument der historischen Korrektur: Der Körper wurde aus einem Kanon zurückerobert, der ihn ausgeschlossen, exotisiert oder ausgelöscht hatte, und aus eigener Kraft neu inszeniert.

Rotimi Fani-Kayode (1955–1989): Der postkoloniale Körper

Fani-Kayode bewegte sich zwischen seinem nigerianischen Yoruba-Erbe und seinem Leben als schwuler Mann in London und inszenierte symbolische Porträts, die den schwarzen männlichen Körper dem kolonialen Blick entrissen. "Bronze Head" (1987) stellt seinen lebendigen Körper einem klassischen afrikanischen Artefakt gegenüber – Herkunft und Fleisch in einem Bild, Spiritualität und Begierde, die sich einer Trennung entziehen. Er starb 1989, in denselben verhängnisvollen Jahren, die auch Mapplethorpe das Leben kosteten, und sein kleines, erhaltenes Werk hat seitdem nur noch an Bedeutung gewonnen.

"Bronze Head" (1987) von Rotimi Fani-Kayode

Ajamu X (1963–heute): Das Queer-Archiv der Freude

Der britische Künstler Ajamu X fotografiert das Leben schwarzer queerer Menschen eher als Feier denn als Fallstudie. Seine "Black Bodyscapes" zeigen Begierde, Lust und Selbstsicherheit mit einer Zuversicht, die an sich schon ein politischer Akt ist: Vor dem Hintergrund einer Geschichte der Auslöschung ist ein Archiv der Freude Widerstand mit voller Lautstärke. Das Werk betont, dass Sichtbarkeit nach den eigenen Maßstäben – und nicht Anstand nach den Maßstäben anderer – das Ziel ist.

Aus "Black Bodyscapes" von Ajamu X

Laura Aguilar (1959–2018): Raum in der Landschaft einnehmen

Aguilars Selbstporträts waren Akte der Aneignung. Als korpulente, aus der Arbeiterklasse stammende lesbische Latina platzierte sie in der Serie "Nature Self-Portrait" (1996) ihren nackten Körper zwischen den Felsen des amerikanischen Südwestens, wobei ihr Körper mit Felsbrocken und Erde harmonierte, bis die Landschaft den Anschein erweckte, sie selbst hervorgebracht zu haben. Die Bilder machen Zugehörigkeit für Körper sichtbar, die die Mainstream-Kunst gänzlich nicht darstellen wollte, und sie taten dies mit einer formalen Gelassenheit, die den Ausschluss in den Schatten stellt.

Aus der Serie "Nature Self-Portrait" (1996) von Laura Aguilar

Neue Perspektiven auf die Form: Maßstab und Intimität

Spencer Tunick (1967–heute): Das entsexualisierte Kollektiv

Tunicks Installationen versammeln Tausende von Freiwilligen in nackten Formationen, die den kollektiven Körper in eine lebende Skulptur und den öffentlichen Raum in deren Sockel verwandeln. Sein Werk aus dem Jahr 2007 auf dem Zócalo in Mexiko-Stadt zog rund 18.000 Teilnehmer an – seine bislang größte Aktion –, und verwandelte den historischen Platz in ein temporäres Terrain aus Fleisch, auf dem kein einzelner Körper als sexuell wahrgenommen wird, weil kein einzelner Körper überhaupt wahrgenommen wird. Die rechtlichen Abläufe hinter solchen Projekten – Festnahmen, Einsprüche und schließlich die Zusammenarbeit mit den städtischen Behörden – werden in Unser Artikel über Nacktheit im öffentlichen Raum.

"Mexico City 4 (Zócalo)" (2007) von Spencer Tunick

Mona Kuhn (1969–heute): Das Ätherische und das Intime

Kuhn bedient sich der zurückhaltendsten Ausdrucksweise dieser Epoche. Für "Evidence" (2007) fotografierte sie Bewohner einer französischen FKK-Gemeinschaft, die sie seit Jahren kannte, und diese Vertrautheit ist ihr künstlerisches Mittel: Ihre Motive leben ihre Nacktheit mit einer ungezwungenen Selbstverständlichkeit aus, die sich die Kamera eines Fremden nicht aneignen könnte, eingefangen in warmem, traumhaftem Licht. Vor dem Hintergrund eines Jahrzehnts der Konfrontation suggerieren ihre Bilder, dass auch Intimität eine Haltung ist.

Aus der Serie "Evidence" (2007) von Mona Kuhn

Das Aufkommen von Körperbewusstsein und Selbstdarstellung

Die jüngste Bewegung dieser Ära richtet den Blick der Kamera gegen die kommerziellen Schönheitsideale selbst und betont, dass jeder Körpertyp die formale Ernsthaftigkeit verdient, die kunsthistorisch nur wenigen vorbehalten war.

Yossi Loloi (1979–heute) und "Full Beauty"

Lolois Projekt "Full Beauty" fotografiert Frauen in Übergröße mit klassischer Beleuchtung und in gemächlichen, anmutigen Posen und verleiht seinen Motiven genau jene visuelle Würde, die der Kanon bisher schlanken Idealen vorbehalten hatte. Die politische Botschaft liegt ganz und gar in der Ästhetik: Verändert man die Art und Weise, wie ein Körper beleuchtet und in Szene gesetzt wird, verändert man damit auch die Vorstellung des Betrachters davon, wozu ein Körper dient.

Aus dem Projekt "Full Beauty" von Yossi Loloi

Polly Penrose (1974–heute) und der Körper im Raum

Penrose fügt ihren eigenen Körper in die häusliche Architektur ein – über Stühle drapiert, in Ecken eingeklemmt, an Heizkörpern angedrückt –, und schafft so Formen, die zugleich abstrakt, komisch und auf subtile Weise beunruhigend sind. Ihre Selbstporträts stellen die Frage, wie Räume die Körper prägen, die sie bewohnen, und beantworten sie mit einer körperlichen Komik, die mehr Melancholie in sich trägt, als sie zunächst preisgibt.

Polly Penrose

Anmerkung des Kurators: Die Geografie des Körpers

Die tiefgreifendste Frage unserer Zeit – wessen Körper sichtbar werden und nach welchen Maßstäben – beschränkt sich nicht auf die Identität, sondern erstreckt sich auch auf die Geografie. Diese Überzeugung hat meinen eigenen Beitrag als Kuratorin von Aktbilder aus Istanbul, das im Jahr 2026 die körperbezogenen Arbeiten von vierzehn Fotografen aus der Türkei in die Die Akt Galerie Berlin brachte, begleitet von einem bei Mijuk Papers Berlin erschienenen Hardcover-Band: ein Bildkorpus, der unter bestimmten kulturellen Zwängen entstanden ist, in einem anderen kulturellen Kontext ausgestellt wurde und auf Sichtbarkeit für eine Geografie besteht, die auf der Landkarte des Genres nur schwach zu erkennen war. Meine eigene Atelierpraxis gehört derselben Ära an und bezieht Stellung in deren jüngstem Kampf: Alles, was ich schaffe, entsteht vor der Kamera – mit einer echten Person, echtem Stoff und echtem Licht –, denn in einer Zeit, in der der Körper in einem Bild möglicherweise nie existiert hat, ist die Tatsache der Zusammenarbeit zwischen zwei Menschen selbst zum politischen Inhalt geworden. Das unten gezeigte Bild 'Bride" vereint beide Stränge: Ein einziges Requisit eröffnet eine Erzählung über Ritual, Zustimmung und Verweigerung, die jeder Betrachter für sich allein zu Ende führen muss.

Braut — Burak Bulut Yıldırım

Der Körper als Statement

Das Erbe der Gegenwart ist ein Wandel im grammatikalischen Modus: Der Akt hat sich vom Beschreibenden zum Aussagenden gewandelt. Ein Foto eines Körpers kann heute ein Akt des Widerstands sein, ein Archiv einer Gemeinschaft, eine Korrektur der Geschichtsschreibung oder ein im öffentlichen Raum geltend gemachter Anspruch – und die Betrachter sind sich dessen bewusst. Fotografen, die diese Epoche erben, übernehmen auch ihre Verpflichtung, nämlich dass im Bildausschnitt etwas auf dem Spiel stehen muss. Die Experimente, die diese Erklärung erst möglich gemacht haben, lassen sich zurückverfolgen in die Zeit der Moderne, und die Autoren, die den einschneidendsten Wandel in diesem Genre herbeigeführt haben, sind in Die Frauen, die das Aktbild neu definiert haben.

Fragen, die Leser stellen

Was war der Mapplethorpe-Prozess wegen Obszönität?

Im Jahr 1990 wurden das Contemporary Arts Center in Cincinnati und dessen Direktor Dennis Barrie wegen der Ausstellung "The Perfect Moment" strafrechtlich verfolgt – es war der erste Obszönitätsprozess gegen ein amerikanisches Museum. Der Freispruch wurde zu einem wegweisenden Präzedenzfall für die Ausstellung provokativer Kunst in den Vereinigten Staaten.

Was ist politische Aktkunst?

Werke, in denen der nackte Körper eine Botschaft vermittelt, die über die Ästhetik hinausgeht: die Rückeroberung von Identität, die Dokumentation einer Gemeinschaft, der Protest gegen Auslöschung oder die Infragestellung von Schönheitsidealen. In der Gegenwart hat sich dies zum vorherrschenden Stil dieses Genres entwickelt.

Wird Aktkunst auch heute noch zensiert?

Ja, auch wenn sich das Schlachtfeld von den Gerichtssälen auf die Online-Plattformen verlagert hat: Die algorithmische Moderation unterdrückt künstlerische Nacktheit mittlerweile in einem Ausmaß, das kein Staatsanwalt je erreicht hat, und professionelle Fotografen richten ihre Sichtbarkeit entsprechend darauf aus. Das staatliche Archiv im Paris der 1850er Jahre und die heutigen Inhaltsrichtlinien sind ein und dasselbe Instrument – nur in einer aktualisierten Form.

Wie entwickle ich eine konzeptorientierte Aktmalerei?

Beginnen Sie mit einem Argument, nicht mit einem Textkörper. Unser Workshops in Berlin und Istanbul sind genau nach diesem Prinzip aufgebaut: Jede Ausgabe widmet sich einem einzigen Konzept, wobei die Sexualität bewusst hinter Thema, Form und Zusammenarbeit zurücktritt – ganz in der Tradition der Epoche, die dieser Artikel nachzeichnet.

Wenn diese Ära bewiesen hat, dass Aktfotografie eine Aussage treffen kann, dann sind unsere Ateliers dazu da, diese Aussage zu vermitteln: konzeptorientierte Arbeiten, bei denen die Sexualität bewusst an dritter oder vierter Stelle steht – hinter dem Thema, der Form und der Zusammenarbeit zwischen Modell und Fotograf –, und bei denen jedes Bild physisch, direkt in der Kamera, gestaltet wird. Unter der Leitung von Burak Bulut Yıldırım, seit 2005 in Berlin tätiger Fotograf und Kurator: seit über vierzehn Jahren Workshops zur Aktfotografie, mehr als 50 Ausgaben, über 300 Fotografen, Ausstellungen in Berlin, Zürich, Barcelona, Rom, Thessaloniki und Heilbronn, Kurator von Aktbilder aus Istanbul (Die Akt Galerie Berlin, 2026; gebunden, Mijuk Papers Berlin).

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Portfolio: burakbulut.org · Limitierte Auflagen auf Saatchi Kunst und Artsper · Kontakt: hello@nudeartworkshops.com