Savaş Alanı Olarak Beden: Çağdaş Dönemde Çıplak Fotoğrafçılık (1970’ler–Günümüz)

1970’lerden itibaren çıplaklık, güzel olmak yerine sesini duyurmak istemeye başladı. İkinci dalga feminizm, LGBTQ+ hakları hareketi, AIDS krizi ve kimlik siyasetinin yükselişinden beslenen fotoğrafçılar, çıplak bedeni, cinsiyet, ırk, arzu, hastalık ve iktidar gibi dönemin en acil tartışmalarının ten üzerinde sahnelendiği, çekişmeli bir alana dönüştürdüler. Bu dönemi tanımlayan en belirgin özellik, seslerin ve bedenlerin radikal bir şekilde genişlemesidir: kimin fotoğraf çektiği, kimin fotoğraflandığı ve fotoğrafın neyi ifade etmesine izin verildiği. Bu mücadeleler mahkeme salonlarına, kongre tartışmalarına ve müze yönetim kurullarına kadar uzandı; bunlardan birçoğu hâlâ devam ediyor.

I Berlin’de çıplak model fotoğraflamak ve ders vermek, bu da bu dönemin benim için doğrudan geçerli olduğu anlamına geliyor; aşağıda yer alan argümanlardan birden fazlası, benim stüdyo haftamın da bir parçası.

Robert Mapplethorpe (1946-1989): Kültür Savaşlarının Provokatörü

Robert Mapplethorpe

Hiçbir fotoğrafçı, Amerikan sanat tanımını Mapplethorpe kadar alenen sorgulamamıştır. "The Perfect Moment" adlı retrospektif sergisi, kültür savaşlarını alevlendirdi: Corcoran Sanat Galerisi, federal fonlarla desteklenen içeriği nedeniyle siyasi baskı altında kalarak 1989’da Washington’daki sergiyi iptal etti; sergi 1990’da Cincinnati Çağdaş Sanat Merkezi’ne ulaştığında ise müze ve müdürü Dennis Barrie müstehcenlik suçlamasıyla yargılandı; bu, bir sergi nedeniyle bir Amerikan müzesine karşı açılan ilk dava oldu. Jüri beraat kararı verdi ve bu karar, kışkırtıcı sanatın hukuki statüsünde hâlâ temel bir dayanak noktası olarak kalmaktadır. Mapplethorpe ise, eserleri hakkındaki tartışmaların doruk noktasına ulaşmasından birkaç ay önce, 1989 yılında AIDS’e bağlı bir hastalık nedeniyle hayatını kaybetmişti.

Klasik Beden, Queer Bakış

Eserlerindeki patlayıcı etki, kasıtlı bir çarpışmadan kaynaklanıyordu: Rönesans heykel sanatının biçimsel mükemmelliğinin, ana akım tarafından "söylenemez" olarak sınıflandırılan konulara uygulanması; her şeyden öte, New York’un BDSM alt kültürünü belgelemesi. Yüksek sanatın meşrulaştırıcı dilini kullanarak queer arzuyu geçerli kılıyordu ve “Man in Polyester Suit” (1980) adlı eseri, bu çatışmayı tüm şiddetiyle sergiliyordu; eserin dar kadrajı, eleştirmenlerin o günden beri tartıştığı ırk, cinsellik ve bakışın politikası hakkında sorular sormaya zorluyordu.

"Robert Mapplethorpe’un "Polyester Takım Elbiseli Adam” (1980) adlı eseri

Meydan Okuyan Kadınlık: Lisa Lyon Serisi

1979"da düzenlenen ilk kadınlar dünya vücut geliştirme şampiyonasının galibi Lisa Lyon ile yaptığı işbirliği, farklı bir geleneklere meydan okudu. Erkek çıplaklarına gösterdiği klasik saygıyla onun kaslı vücudunu fotoğraflayan ve bu projeyi 1983 yılında "Lady” adlı kitapta yayınlayan Mapplethorpe, sanat tarihinde yer bulamayan bir kadın gücünü ortaya koydu. Bu görüntüler, o on yılın feminist sorusunu görsel bir biçime dönüştürdü: Güç ile kadınsılığın zıt kavramlar olduğuna kim karar verdi?

Robert Mapplethorpe’un “Lisa Lyon (1982)” adlı eseri

Nan Goldin (1953–günümüz): Kişisel Olan Siyasidir

Nan Goldin

Mapplethorpe galerinin biçimsel dilinde mücadele ederken, Goldin bu mücadeleyi yatak odasına taşıdı. "The Ballad of Sexual Dependency" (1986), Boston, New York ve Berlin’in bohem yeraltı çevrelerinde yaşadığı, kendi seçtiği ailesinin görsel günlüğüdür: sevgililer, arkadaşlar, drag kraliçeleri, bağımlılar; aşk, şiddet ve kayıplar arasında, anlık fotoğrafların dürüstlüğüyle fotoğraflanmışlardır. Ballad’daki çıplaklık hiçbir zaman bir performans değildir; bu, samimiyetin içinden nasıl göründüğünün bir yansımasıdır ve AIDS, belgelediği topluluğu mahvederken, bu günlük bir neslin yeri doldurulamaz bir arşivi haline geldi. Goldin’in mücadelesi burada bitmedi: 2017"de, kendisini neredeyse öldüren opioid krizinden Sackler ailesini sorumlu tutmak amacıyla P.A.I.N."i kurdu; müzelerdeki protestoları ise Sackler isminin dünya çapındaki kurumlardan silinmesine katkıda bulundu; bu hikâye, 2022’de Venedik’te Altın Aslan ödülünü kazanan "All the Beauty and the Bloodshed" adlı filmde anlatılıyor. Kişisel olanın politik olduğunu bu kadar kesin bir şekilde ortaya koyan çok az kariyer vardır.

Nan Goldin’in "Cinsel Bağımlılığın Baladı" adlı eserinden

Sally Mann (1951–günümüz): Tartışmalı Aile Reisi

Sally Mann

Mann’ın ailesini ve Amerika’nın Güneyini konu alan ıslak plaka fotoğrafları, içeriklerinin kabul etmediği resimsel bir zamansızlığı yansıtıyor. Ailesinin Virginia’daki çiftliğinde küçük çocuklarının çıplak fotoğraflarını içeren "Immediate Family" (1984–1994) serisi, kültürü ikiye böldü: Bazıları için gözetimsiz bir çocukluğun idilini, diğerleri için ise rahatsız edici bir ifşayı temsil ediyordu; bu seriyle birlikte, annelik, masumiyet ve izleyicinin kendi yansımaları üzerine on yıl süren bir tartışma başladı. Daha sonraki dönemde, "Proud Flesh" serisinde bakışını kocasının vücuduna yöneltmesi, şu makalede incelenmektedir: Çıplaklık kavramını yeniden tanımlayan kadınlar üzerine yazımız; bu iki dizi bir araya geldiğinde, tek bir sarsılmaz bakışın aile ve beden meselelerini ne kadar ileriye taşıyabileceğini ortaya koyuyor.

Sally Mann’ın "Immediate Family" adlı eserinden

Joel-Peter Witkin (1939–günümüz): Grotesk ve İğrenç

Bu türün en karanlık sınırlarında Witkin, varoluşun en uç kenarlarından – cesetler, interseks bedenler, fiziksel farklılıklar – Goya ve Bosch’un kompozisyonlarındaki ciddiyetle sahnelenen ve görüntüleri bir kabus medeniyetinin kalıntıları gibi hissettiren, çizik ve yıpranmış negatiflere basılmış ürkütücü tablolara imza atıyor. Eserleri, filozof Julia Kristeva’nın "iğrenç" olarak adlandırdığı, kimliği, sistemi ve düzeni sarsan unsurlarla yüzleşir ve izleyiciyi, kutsal ile dayanılmaz arasındaki kendi sınırını belirlemeye zorlar. Eserin grafik niteliği nedeniyle burada hiçbir görüntü yer almamaktadır; “Öpücük” gibi eserler, tam da rahat bir izleme deneyimini reddettikleri için sınırları aşan sanatın simgeleri olarak kalmaktadır.

Cindy Sherman (1954-günümüz): Yapısökümüne Uğrayan Postmodern Beden

Sherman’ın çağdaş döneme yaptığı dönüş, imgenin dekonstrüksiyonunu kendi bedeninin ötesine tamamen taşıdı. "Sex Pictures" (1992) adlı çalışmasında tıbbi mankenleri ve protez parçaları müstehcen, klinik tablolara dönüştürdü: kadın bedeni, kelimenin tam anlamıyla bileşenlerin bir araya getirilmesiydi; fanteziden arındırılmış bir şekilde sergilenen pornografinin parçalanması. Kendini resimden çekerek, o dönemin tartışmasını postmodern son noktasına taşıdı; burada "doğal" beden kadrajdan çıkmış, geriye yalnızca kurgulanmış beden kalmıştır; bu sonuç, sentetik görüntülerin çağında yine farklı bir anlam kazanmaktadır.

Bedeni Geri Kazanmak: Kimlik, Irk ve Queerlik

Marjinalleştirilmiş topluluklardan gelen sanatçılar için, politik nü sanatı tarihsel bir düzeltmenin aracı haline geldi: beden, kendisini dışlayan, egzotikleştiren ya da silen bir kanondan geri kazanıldı ve kendi iradesiyle yeniden ortaya kondu.

Rotimi Fani-Kayode (1955–1989): Sömürgecilik Sonrası Beden

Nijeryalı Yoruba mirası ile Londra’da eşcinsel bir erkek olarak sürdürdüğü yaşam arasında bir denge kuran Fani-Kayode, siyah erkek bedenini sömürgeci bakışın elinden kurtaran sembolik portreler ortaya koydu. "Bronze Head" (1987) adlı eserinde, sanatçı canlı bedenini klasik bir Afrika eseri ile karşı karşıya getirerek kökeni ve bedeni tek bir karede birleştirmiş; maneviyat ile arzunun birbirinden ayrılamayacağını ortaya koymuştur. Mapplethorpe’u da aramızdan alan o veba yıllarında, 1989’da vefat eden sanatçının geride bıraktığı az sayıdaki eserinin önemi, o günden bu yana giderek artmıştır.

"Rotimi Fani-Kayode’nin "Bronz Baş” (1987) adlı eseri

Ajamu X (1963–günümüz): Joy’un Queer Arşivi

İngiliz sanatçı Ajamu X, Siyah queer yaşamını bir vaka çalışması değil, bir kutlama olarak fotoğraflıyor. "Black Bodyscapes" adlı serisi, arzu, zevk ve kendine hakimiyeti, başlı başına siyasi bir eylem olan bir özgüvenle sergiliyor: silinme tarihine karşı, neşe arşivi sesini sonuna kadar açmış bir direniştir. Bu çalışma, başkasının belirlediği saygınlık değil, kişinin kendi şartlarına göre görünür olmanın asıl ödül olduğunu vurguluyor.

Ajamu X’in "Black Bodyscapes" adlı eserinden

Laura Aguilar (1959–2018): Manzarada Yer Kazanmak

Aguilar’ın otoportreleri, birer işgal eylemi niteliğindeydi. İri yapılı, işçi sınıfından bir Latin lezbiyen olarak, "Nature Self-Portrait" (1996) serisinde çıplak bedenini Amerika’nın güneybatısındaki kayalıkların arasına yerleştirdi; manzarası sanki onu yaratmış gibi görünene kadar bedeni, kayalarla ve toprakla uyum içindeydi. Bu görüntüler, ana akım sanatın resmetmeyi reddettiği bedenler için aidiyeti görünür kılıyor ve bunu, dışlamayı utandıracak kadar biçimsel bir sakinlikle yapıyor.

Laura Aguilar’ın "Nature Self-Portrait" serisinden (1996)

Biçim Üzerine Yeni Bakış Açıları: Ölçek ve Samimiyet

Spencer Tunick (1967–günümüz): Cinsellikten Arındırılmış Kolektif

Tunick’in enstalasyonları, binlerce gönüllüyü çıplak oluşumlar halinde bir araya getirerek kolektif bedeni canlı bir heykele, kamusal alanı ise onun kaidesine dönüştürür. 2007 yılında Meksiko'nun Zócalo meydanında gerçekleştirdiği ve yaklaşık on sekiz bin katılımcıyla en büyük ölçekli çalışması, tarihi meydanı geçici bir bedenler alanına dönüştürdü; burada hiçbir bireysel beden cinsel bir anlam taşımaz, çünkü hiçbir bireysel beden tek başına algılanmaz. Bu tür projelerin ardındaki hukuki süreçler – tutuklamalar, temyizler ve nihayetinde belediyeyle işbirliği – şu şekilde ortaya konmaktadır: kamusal alanda çıplaklık üzerine yazımız.

"Spencer Tunick’in "Mexico City 4 (Zócalo)” (2007) adlı eseri

Mona Kuhn (1969–günümüz): Ruhani ve Samimi

Kuhn, o dönemin en sakin üslubunu kullanır. "Evidence" (2007) adlı çalışması için, yıllardır tanıdığı bir Fransız naturist topluluğunun sakinlerini fotoğrafladı ve bu samimiyet, onun tekniğidir: modelleri, bir yabancının kamerasının yakalayamayacağı kadar doğal bir rahatlıkla çıplaklıklarını yaşıyor ve bu, sıcak, rüya gibi bir ışıkla aktarılıyor. On yıllık bir çatışma dönemine karşın, Kuhn’un fotoğrafları samimiyetin de bir duruş olduğunu ortaya koyuyor.

Mona Kuhn’un "Evidence" serisinden (2007)

Beden Pozitifliği ve Kendini İfade Etmenin Yükselişi

Bu dönemin en yeni akımı, kamerayı ticari güzellik standartlarının kendisine yöneltiyor ve her vücut tipinin, sanat tarihinde yalnızca birkaçı için ayrılmış olan resmi ciddiyeti hak ettiğini vurguluyor.

Yossi Loloi (1979–günümüz) ve "Full Beauty"

Loloi’nin "Full Beauty" projesi, klasik ışıklandırma ve telaşsız, zarif pozlarla büyük beden kadınları fotoğraflayarak, modeline klasik güzellik standartlarının sadece ince vücutlara ayırdığı görsel saygınlığı tam olarak sunuyor. Siyasi mesaj tamamen estetik içinde yatıyor: Bir bedenin nasıl aydınlatıldığını ve kadraja alındığını değiştirirseniz, izleyicinin bir bedenin ne için olduğuna dair inancını da değiştirirsiniz.

Yossi Loloi’nin "Full Beauty" projesinden

Polly Penrose (1974–günümüz) ve Uzaydaki Beden

Penrose, kendi vücudunu ev mimarisine katlayarak sandalyelere sarkıtıyor, köşelere sıkıştırıyor, radyatörlere yaslıyor ve böylece hem soyut, hem komik, hem de içten içe tedirgin edici şekiller ortaya çıkarıyor. Otoportreleri, mekanların içinde yaşayan bedenleri nasıl şekillendirdiğini sorguluyor ve ilk bakışta fark edilenden daha fazla melankoli barındıran bir fiziksel komedi ile bu soruya yanıt veriyor.

Polly Penrose

Bir Küratör Notu: Bedenin Coğrafyası

Bu dönemin en derin sorusu, yani “kimin bedenleri görünür hale gelir ve kimin şartlarına göre?” sorusu, kimlikle sınırlı kalmaz; coğrafyayı da kapsar. Bu inanç, [serginin adı] sergisinin küratörü olarak benim katkımı şekillendirdi. İstanbul’un Çıplakları, 2026 yılında Türkiye’den on dört fotoğrafçının beden odaklı çalışmalarını Berlin’deki Die Akt Galerie’ye taşıyan ve Mijuk Papers Berlin tarafından ciltli olarak yayınlanan bir sergi: bir dizi kültürel baskı altında üretilen, başka bir kültürel bağlamda sergilenen ve bu türün haritasında silik kalmış bir coğrafyanın görünür olmasını ısrarla savunan bir görüntü koleksiyonu. Kendi stüdyo pratiğim de aynı döneme aittir ve bu dönemin en yeni mücadelesinde bir pozisyon almaktadır: ürettiğim her şey, gerçek bir insan, gerçek kumaş ve gerçek ışıkla, kameranın içinde oluşturulur; çünkü bir görüntüdeki bedenin hiç var olmamış olabileceği bir dönemde, iki insan arasındaki işbirliğinin kendisi politik bir içerik haline gelmiştir. Aşağıdaki 'Gelin" adlı eser her iki konuyu da barındırıyor: tek bir sahne öğesi, her izleyicinin kendi başına sonlandırması gereken ritüel, rıza ve reddetme üzerine bir anlatıyı başlatıyor.

Gelin — Burak Bulut Yıldırım

Bir İfade Olarak Beden

Çağdaş dönemin mirası, gramerdeki kip değişikliğidir: Çıplaklık, betimleyici olmaktan çıkıp bildirimsel hale gelmiştir. Bir bedenin fotoğrafı artık bir başkaldırı eylemi, bir topluluğun arşivi, tarihsel kaydın düzeltilmesi ya da kamusal alanda ortaya konan bir iddia olabilir; izleyiciler de bunu bilerek bu fotoğrafa yaklaşır. Bu dönemi miras alan fotoğrafçılar, kadrajda bir şeyin söz konusu olması gerekliliğini de miras alırlar. Bu beyanı mümkün kılan denemelerin izleri modernist dönem, ve bu türün en önemli dönüşümünü gerçekleştiren yazarlar ise Çıplaklık kavramını yeniden tanımlayan kadınlar.

Okuyucuların sorduğu sorular

Mapplethorpe müstehcenlik davası neydi?

1990 yılında, Cincinnati Çağdaş Sanat Merkezi ve müdürü Dennis Barrie, "The Perfect Moment" adlı eseri sergiledikleri gerekçesiyle yargılandılar; bu, bir Amerikan müzesine karşı açılan ilk müstehcenlik davasıydı. Beraat kararı, Amerika Birleşik Devletleri’nde kışkırtıcı sanat eserlerinin sergilenmesi konusunda temel bir emsal teşkil etti.

Siyasi çıplak sanat nedir?

Çıplak bedenin estetiğin ötesinde bir mesaj taşıdığı eserler: kimliği geri kazanmak, bir topluluğu belgelemek, silinmeye karşı çıkmak ya da güzellik standartlarına itiraz etmek. Çağdaş dönem, bunu bu türün baskın bir özelliği haline getirdi.

Günümüzde çıplak sanat hâlâ sansürleniyor mu?

Evet, ancak mücadele alanı mahkeme salonlarından dijital platformlara kaydı: Algoritmik denetim artık hiçbir savcının başaramadığı bir ölçekte sanatsal çıplaklığı bastırıyor ve profesyonel fotoğrafçılar görünürlüklerini buna göre planlıyor. 1850’lerin Paris’indeki devlet arşivi ile günümüzün içerik politikası, güncellenmiş haliyle aynı araçtır.

Kavram odaklı bir çıplak resim pratiğini nasıl geliştirebilirim?

Bir metinden değil, bir argümandan yola çıkın. Bizim Berlin ve İstanbul’daki atölye çalışmaları tam da bu eğitim anlayışı doğrultusunda kurgulanmıştır: her sayı tek bir kavramı ele alır; cinsellik, bu makalenin izlediği dönemin doğrudan geleneği doğrultusunda, tema, biçim ve işbirliğinin gerisinde kasıtlı olarak ikinci plana itilmiştir.

Eğer bu dönem çıplaklığın bir argüman oluşturabileceğini kanıtladıysa, atölyelerimizin varlık nedeni de bu argümanı öğretmektir: Cinselliğin, tema, biçim ve model ile fotoğrafçı arasındaki işbirliğinin arkasında kasıtlı olarak üçüncü veya dördüncü sıraya yerleştirildiği, her görüntünün fiziksel olarak, kamera içinde oluşturulduğu “konsept öncelikli” seriler. Liderliğinde Burak Bulut Yıldırım, 2005 yılından bu yana Berlin’de faaliyet gösteren fotoğrafçı ve küratör: 14 yılı aşkın süredir devam eden çıplak sanat atölyeleri, 50’den fazla baskı, 300’den fazla fotoğrafçı, Berlin, Zürih, Barselona, Roma, Selanik ve Heilbronn’da düzenlenen sergiler, şunun küratörü: İstanbul’un Çıplakları (Die Akt Galerie Berlin, 2026; Mijuk Papers Berlin tarafından basılmış ciltli kitap).

Yaklaşan atölyelere göz atın   İlk erişim için bize e-posta gönderin →

Portföy: burakbulut.org · Sınırlı sayıda üretilen ürünler Saatchi Sanat ve Artsper · İletişim: hello@nudeartworkshops.com