Le corps comme champ de bataille : la photographie de nu à l'époque contemporaine (des années 1970 à nos jours)

À partir des années 1970, le nu a cessé de vouloir être beau pour commencer à vouloir se faire entendre. Portés par la deuxième vague du féminisme, le mouvement pour les droits LGBTQ+, la crise du sida et la montée en puissance de la politique identitaire, les photographes ont fait du corps dénudé un terrain de confrontation où se jouaient, à travers la peau, les débats les plus urgents de l’époque : genre, race, désir, maladie et pouvoir. La caractéristique déterminante de cette période est un élargissement radical des voix et des corps : qui photographie, qui est photographié, et ce que la photographie est autorisée à revendiquer. Ces combats ont atteint les salles d’audience, les débats au Congrès et les conseils d’administration des musées, et plusieurs d’entre eux se poursuivent encore aujourd’hui.

I photographier et enseigner le nu à Berlin, ce qui fait que c'est à cette période que je me réfère directement ; plusieurs des arguments ci-dessous se retrouvent dans le déroulement de ma semaine de travail en studio.

Robert Mapplethorpe (1946-1989) : Le provocateur des guerres culturelles

Robert Mapplethorpe

Aucun photographe n’a remis en question la définition américaine de l’art aussi ouvertement que Mapplethorpe. Sa rétrospective " The Perfect Moment " a déclenché une véritable guerre culturelle : la Corcoran Gallery of Art a annulé l’exposition à Washington en 1989 sous la pression politique liée à son financement fédéral, et lorsqu’elle est arrivée au Contemporary Arts Center de Cincinnati en 1990, le musée et son directeur Dennis Barrie ont été inculpés pour obscénité, ce qui constituait la première poursuite judiciaire à l’encontre d’un musée américain pour une exposition. Le jury a prononcé l’acquittement, et ce verdict reste un pilier de la légitimité juridique de l’art provocateur. Mapplethorpe lui-même était décédé des suites d’une maladie liée au sida en 1989, quelques mois avant que les polémiques autour de son œuvre n’atteignent leur paroxysme.

Le corps classique, le regard queer

La force explosive de son œuvre provenait d’une collision délibérée : la perfection formelle de la sculpture de la Renaissance appliquée à des sujets que le courant dominant avait classés comme tabous, notamment sa documentation de la sous-culture BDSM new-yorkaise. Il utilisait la grammaire légitimante de l’art majeur pour valider le désir queer, et " Man in Polyester Suit " (1980) montre cette confrontation à son paroxysme : son cadrage serré soulève des questions sur la race, la sexualité et la politique du regard, sujets sur lesquels les critiques débattent depuis lors.

" Homme en costume de polyester " (1980) de Robert Mapplethorpe

Défier la féminité : La série Lisa Lyon

Sa collaboration avec Lisa Lyon, vainqueuse du premier championnat du monde féminin de culturisme en 1979, a remis en cause une autre convention. En photographiant son physique musclé avec la même révérence classique qu’il accordait à ses nus masculins, et en publiant ce projet dans l’ouvrage " Lady " en 1983, Mapplethorpe a mis en avant une force féminine pour laquelle l’histoire de l’art n’avait pas de place. Ces images ont donné une forme visuelle à la question féministe centrale de la décennie : qui a décidé que le pouvoir et la féminité étaient antinomiques ?

Lisa Lyon (1982) par Robert Mapplethorpe

Nan Goldin (1953–aujourd’hui) : « Le personnel est politique »

Nan Goldin

Alors que Mapplethorpe menait son combat contre le langage formel des galeries, Goldin a transposé ce combat dans la chambre à coucher. " The Ballad of Sexual Dependency " (1986) est un journal visuel de la famille qu’elle s’est choisie dans les milieux underground bohèmes de Boston, New York et Berlin : amants, amis, drag queens, toxicomanes, photographiés avec la franchise d’un cliché instantané à travers l’amour, la violence et la perte. La nudité dans " The Ballad " n’est jamais une mise en scène ; c’est simplement le reflet de l’intimité vue de l’intérieur, et alors que le sida dévastait la communauté qu’il documente, ce journal s’est transformé en une archive irremplaçable d’une génération. Le combat de Goldin ne s’est pas arrêté là : en 2017, elle a fondé P.A.I.N. pour demander des comptes à la famille Sackler au sujet de la crise des opiacés qui a failli lui coûter la vie, et ses actions de protestation dans les musées ont contribué à faire disparaître le nom des Sackler des institutions du monde entier, une histoire racontée dans « All the Beauty and the Bloodshed », qui a remporté le Lion d’or à Venise en 2022. Rares sont les parcours qui illustrent aussi parfaitement que le personnel est politique.

Extrait de " The Ballad of Sexual Dependency " de Nan Goldin

Sally Mann (1951–aujourd’hui) : la matriarche controversée

Sally Mann

Les photographies sur plaque humide réalisées par Mann, représentant sa famille et le Sud des États-Unis, dégagent une intemporalité picturale à laquelle leur contenu refuse de se plier. " Immediate Family " (1984–1994), qui comprenait des nus de ses jeunes enfants dans la ferme familiale en Virginie, a divisé l’opinion : une idylle de l’enfance sans surveillance pour certains, une exposition dérangeante pour d’autres, et a donné lieu à un débat qui a duré une décennie sur la paternité artistique maternelle, l’innocence et les projections propres au spectateur. Son inversion ultérieure du regard sur le corps de son mari dans " Proud Flesh " est analysée dans notre article sur les femmes qui ont redéfini le nu; à elles deux, ces séries explorent jusqu’où un regard sans concession peut pousser les questions liées à la famille et à la chair.

Extrait de " Immediate Family " de Sally Mann

Joel-Peter Witkin (1939–aujourd’hui) : Le grotesque et l’abject

Aux confins les plus sombres du genre, Witkin compose des tableaux macabres à partir des marges extrêmes de l’existence : cadavres, corps intersexués, différences physiques, mis en scène avec la gravité compositionnelle de Goya et de Bosch, puis imprimés sur des négatifs rayés et abîmés qui donnent à ces images l’aspect de reliques d’une civilisation cauchemardesque. Son œuvre confronte le spectateur à ce que la philosophe Julia Kristeva appelait " l’abject ", ce qui perturbe l’identité, le système et l’ordre, et oblige le spectateur à tracer sa propre frontière entre le sacré et l’insupportable. Aucune image n’est reproduite ici en raison de la nature explicite de l’œuvre ; des pièces comme « The Kiss » restent des repères de l’art transgressif précisément parce qu’elles refusent un regard confortable.

Cindy Sherman (1954-aujourd'hui) : Le corps postmoderne déconstruit

Le tournant vers l'époque contemporaine opéré par Sherman a poussé sa déconstruction de l'image bien au-delà de son propre corps. Dans les " Sex Pictures " (1992), elle a disposé des mannequins médicaux et des prothèses pour former des tableaux cliniques explicites : le corps féminin comme un assemblage littéral de composants, la fragmentation de la pornographie mise en scène sans le voile de la fantaisie. En s’effaçant, elle a poussé le débat de son époque jusqu’à son aboutissement postmoderne, où le corps " naturel " a quitté le cadre et où seul le corps construit subsiste, une conclusion qui prend une nouvelle dimension à l’ère de l’imagerie synthétique.

Se réapproprier le corps : identité, race et queerness

Pour les artistes issus de communautés marginalisées, l'art du nu politique est devenu un instrument de rectification historique : le corps, récupéré d’un canon qui l’avait exclu, exotisé ou effacé, et représenté en son nom propre.

Rotimi Fani-Kayode (1955-1989) : Le corps postcolonial

Naviguant entre son héritage yoruba nigérian et sa vie d’homme gay à Londres, Fani-Kayode a mis en scène des portraits symboliques qui ont libéré le corps masculin noir du regard colonial. " Bronze Head " (1987) oppose son corps vivant à un objet d’art africain classique, réunissant dans un même cadre origine et chair, spiritualité et désir refusant d’être séparés. Il est mort en 1989, au cours de ces mêmes années de fléau qui ont emporté Mapplethorpe, et son œuvre, bien que modeste, n’a cessé de gagner en importance depuis.

" Tête en bronze " (1987) de Rotimi Fani-Kayode

Ajamu X (1963–aujourd’hui) : Les archives queer de la joie

L'artiste britannique Ajamu X photographie la vie des personnes noires queer comme une célébration plutôt que comme une étude de cas. Ses " Black Bodyscapes " mettent en scène le désir, le plaisir et la maîtrise de soi avec une assurance qui constitue en soi un acte politique : face à une histoire d'effacement, ces archives de la joie sont une forme de résistance à plein volume. Cette œuvre insiste sur le fait que ce qui compte, c’est la visibilité selon ses propres termes, et non la respectabilité imposée par autrui.

Extrait de " Black Bodyscapes " d'Ajamu X

Laura Aguilar (1959-2018) : S'approprier l'espace dans le paysage

Les autoportraits d’Aguilar étaient des actes d’appropriation. En tant que lesbienne latino-américaine de la classe ouvrière au corps imposant, elle a placé son corps nu parmi les rochers du sud-ouest américain dans la série " Nature Self-Portrait " (1996), son corps ne faisant qu’un avec les rochers et la terre, au point que le paysage semblait l’avoir engendrée. Ces images rendent visible le sentiment d’appartenance de corps que l’art traditionnel avait refusé de représenter, et elles le font avec un calme formel qui fait honte à cette exclusion.

Extrait de la série " Nature Self-Portrait " (1996) de Laura Aguilar

Nouvelles perspectives sur la forme : échelle et intimité

Spencer Tunick (1967–aujourd’hui) : Le collectif déssexualisé

Les installations de Tunick rassemblent des milliers de volontaires dans des formations de nus qui transforment le corps collectif en sculpture vivante, et l'espace public en socle. Son œuvre de 2007 sur le Zócalo de Mexico a rassemblé environ dix-huit mille participants, son plus grand projet à ce jour, transformant la place historique en un terrain éphémère de chair où aucun corps individuel n’est perçu comme sexuel, car aucun corps individuel n’est perçu du tout. Les rouages juridiques qui sous-tendent de tels projets – arrestations, recours et coopération municipale finale – sont décortiqués dans notre article sur la nudité dans l'espace public.

" Mexico City 4 (Zócalo) " (2007) de Spencer Tunick

Mona Kuhn (1969–aujourd’hui) : L’éthéré et l’intime

Kuhn explore le registre le plus discret de son époque. Pour " Evidence " (2007), elle a photographié les résidents d’une communauté naturiste française qu’elle connaissait depuis des années, et cette familiarité fait partie intégrante de sa technique : ses sujets assument leur nudité avec une aisance naturelle qu’aucun appareil photo d’un étranger ne pourrait reproduire, le tout baigné d’une lumière chaude et onirique. Face à une décennie de confrontation, ses images suggèrent que l’intimité, elle aussi, est une prise de position.

Extrait de la série " Evidence " (2007) de Mona Kuhn

L'essor de la positivité corporelle et de l'expression personnelle

Le mouvement le plus récent de cette époque braque l'objectif sur les normes de beauté commerciales elles-mêmes, en affirmant que chaque morphologie mérite le sérieux formel que l'histoire de l'art n'a accordé qu'à quelques-uns.

Yossi Loloi (1979–aujourd’hui) et " Full Beauty "

Le projet " Full Beauty " de Loloi met en scène des femmes rondes, photographiées avec un éclairage classique et dans des poses gracieuses et posées, leur accordant ainsi la même dignité visuelle que celle que le canon réserve habituellement aux idéaux de minceur. Le message politique réside entièrement dans l’esthétique : en modifiant la façon dont un corps est éclairé et cadré, on modifie la perception qu’a le spectateur de la fonction d’un corps.

Extrait du projet " Full Beauty " de Yossi Loloi

Polly Penrose (1974–aujourd’hui) et le corps dans l’espace

Penrose intègre son propre corps dans l'architecture domestique : drapée sur des chaises, coincée dans des coins, plaquée contre des radiateurs, elle crée des formes à la fois abstraites, drôles et subtilement dérangeantes. Ses autoportraits s'interrogent sur la manière dont les espaces façonnent les corps qui les habitent, et y répondent par une comédie physique qui recèle davantage de mélancolie qu'elle ne le laisse paraître au premier abord.

Polly Penrose

Note de la commissaire d'exposition : La géographie du corps

La question la plus profonde de notre époque – à savoir quels corps sont visibles, et selon quelles conditions – ne se limite pas à l’identité ; elle traverse également la géographie. Cette conviction a guidé ma propre contribution en tant que commissaire de l’exposition Nus d'Istanbul, qui a présenté en 2026 à la galerie Die Akt de Berlin les œuvres de quatorze photographes turcs axées sur le corps, accompagnées d’un ouvrage relié publié par Mijuk Papers Berlin : un ensemble d’images réalisées sous l’emprise d’un certain contexte culturel, exposées dans un autre, et revendiquant la visibilité d’une géographie que la carte de ce genre avait laissée dans l’ombre. Ma propre pratique en studio s’inscrit dans cette même époque et prend position dans son combat le plus récent : tout ce que je réalise est construit devant l’objectif, avec une personne réelle, un tissu réel et une lumière réelle, car à une époque où le corps représenté dans une image n’a peut-être jamais existé, le fait même d’une collaboration entre deux êtres humains est devenu en soi un contenu politique. ' Bride ", ci-dessous, porte ces deux fils conducteurs : un simple accessoire qui ouvre un récit sur le rituel, le consentement et le refus, que chaque spectateur doit conclure seul.

La mariée — Burak Bulut Yıldırım

Le corps comme moyen d'expression

L’héritage de l’époque contemporaine réside dans un changement de registre grammatical : le nu est passé du registre descriptif au registre déclaratif. Une photographie d’un corps peut désormais être un acte de défi, une archive d’une communauté, une rectification du récit historique ou une revendication formulée dans l’espace public, et les spectateurs en sont conscients dès leur arrivée. Les photographes qui héritent de cette époque en héritent également de l’obligation qui en découle, à savoir mettre quelque chose en jeu dans le cadre. Les expérimentations qui ont rendu cette déclaration possible sont retracées dans l'époque moderniste, et les auteurs qui ont provoqué le revirement le plus marquant de ce genre figurent dans les femmes qui ont redéfini le nu.

Questions posées par les lecteurs

En quoi consistait le procès pour obscénité de Mapplethorpe ?

En 1990, le Centre des arts contemporains de Cincinnati et son directeur, Dennis Barrie, ont été poursuivis en justice pour avoir exposé " The Perfect Moment " ; il s'agissait du premier procès pour obscénité intenté contre un musée américain. L'acquittement a constitué un précédent déterminant pour l'exposition d'œuvres d'art provocantes aux États-Unis.

Qu'est-ce que l'art du nu politique ?

Œuvres dans lesquelles le corps dénudé véhicule un message qui dépasse le simple cadre esthétique : réaffirmer son identité, témoigner de la vie d’une communauté, dénoncer l’effacement ou remettre en cause les canons de la beauté. L’époque contemporaine a fait de cette approche le registre dominant du genre.

L'art du nu fait-il encore l'objet de censure aujourd'hui ?

Oui, même si le champ de bataille s’est déplacé des salles d’audience vers les plateformes : la modération algorithmique supprime désormais la nudité artistique à une échelle qu’aucun procureur n’a jamais pu atteindre, et les photographes professionnels adaptent leur stratégie de visibilité en conséquence. Le dépôt légal du Paris des années 1850 et la politique de contenu d’aujourd’hui constituent un seul et même instrument, mis à jour.

Comment mettre en place une pratique du nu axée sur un concept ?

Commencez par un argument, pas par un corps. Notre Ateliers à Berlin et à Istanbul sont conçues exactement comme cette formation : chaque édition explore un seul concept, la sexualité étant délibérément reléguée au second plan derrière le thème, la forme et la collaboration, dans la lignée directe de l'époque que cet article retrace.

Si cette époque a démontré que le nu peut être un moyen d’expression, nos ateliers ont pour vocation d’enseigner cette expression : des éditions où le concept prime, où la sexualité est délibérément reléguée au troisième ou quatrième plan, derrière le thème, la forme et la collaboration entre le modèle et le photographe, et où chaque image est construite physiquement, directement dans l’appareil photo. Dirigés par Burak Bulut Yıldırım, photographe et commissaire d'exposition basé à Berlin, en activité depuis 2005 : plus de quatorze ans d'ateliers d'art du nu, plus de 50 éditions, plus de 300 photographes, des expositions à Berlin, Zurich, Barcelone, Rome, Thessalonique et Heilbronn, commissaire d'exposition de Nus d'Istanbul (Die Akt Galerie Berlin, 2026 ; édition reliée par Mijuk Papers Berlin).

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