Der Körper als Kriegsschauplatz: Aktfotografie in der zeitgenössischen Ära (1970er-Jahre-Gegenwart)

Die zeitgenössische Ära, von den 1970er Jahren bis heute, markiert einen radikalen Wendepunkt in der Geschichte der Aktfotografie. Der nackte Körper, einst in erster Linie ein Gegenstand ästhetischer Schönheit oder formaler Experimente, wurde zu einem umstrittenen Ort - einem Schlachtfeld für politische, soziale und persönliche Kämpfe. Mit dem Aufkommen des Feminismus der zweiten Welle, der Bewegung für die Rechte von LGBTQ+, der AIDS-Krise und der Explosion der Identitätspolitik begannen Fotografen, die menschliche Form als Leinwand zu nutzen, um die dringlichsten Themen ihrer Zeit zu erforschen. Diese Periode ist durch eine radikale Diversifizierung von Stimmen und Körpern gekennzeichnet, die sich direkt mit Fragen der Identität, des Geschlechts, der Ethnie und der Macht auseinandersetzen, oft auf provokante, sehr persönliche und einflussreiche Weise.

Robert Mapplethorpe (1946-1989): Der Provokateur der Kulturkriege

Robert Mapplethorpe

Nur wenige Fotografen haben so viele Kontroversen und Debatten ausgelöst wie Robert Mapplethorpe. Seine nüchternen, klassisch komponierten Schwarz-Weiß-Fotografien wurden zu einem Brennpunkt in den amerikanischen "Kulturkriegen" der späten 1980er Jahre, die eine landesweite Diskussion über Zensur, die öffentliche Finanzierung der Kunst und die Abgrenzung von "Kunst" und "Obszönität" auslösten.

Der klassische Körper, der Queer-Blick

Was Mapplethorpes Werk so brisant machte, war die Verschmelzung von exquisiter, formaler Schönheit - die an Renaissance-Skulpturen erinnerte - mit Themen, die zu jener Zeit als tabu galten, insbesondere seine Dokumentation der BDSM-Subkultur in New York. Er nutzte die legitimierende Sprache der hohen Kunst, um queeres Begehren zu validieren. Seine Fotografie "Der Mann im Polyesteranzug" (1980) ist ein Paradebeispiel für seinen konfrontativen Stil. Durch den engen Bildausschnitt warf er anspruchsvolle Fragen zu Ethnie, Sexualität und der Politik des Blicks auf.

"Der Mann im Polyesteranzug" (1980)

Weiblichkeit in Frage stellen: Die Lisa-Lyon-Reihe

In seiner Zusammenarbeit mit dem ersten weiblichen Bodybuilding-Champion, Lisa Lyonstellte Mapplethorpe die traditionellen Ideale der Weiblichkeit radikal in Frage. Er fotografierte ihren kraftvollen, muskulösen Körper mit der gleichen klassischen Ehrfurcht, die er auch bei seinen männlichen Akten an den Tag legte. Die daraus resultierenden Bilder, wie das untenstehende, waren bahnbrechend. Sie zeigten eine Vision weiblicher Stärke und Form, die weit entfernt war von den weichen, passiven Akten der Kunstgeschichte, und lösten wichtige feministische Diskussionen über Stärke und Schönheit aus.

Lisa Lyon (1982)

Nan Goldin (1953 bis heute): Das Persönliche ist politisch

Nan Goldin

Während Mapplethorpe seine Schlachten in der formalen Sprache der Galerie schlug, brachte Nan Goldin das Politische ins zutiefst Persönliche. Ihre intime, schnappschussartige Ästhetik brachte eine rohe, tagebuchartige Ehrlichkeit in den Akt und bewies das feministische Mantra, dass "das Persönliche politisch ist".

"Die Ballade von der sexuellen Abhängigkeit": Das Archiv einer Generation

Goldins bahnbrechendes Werk, "Die Ballade der sexuellen Abhängigkeit" (1986)ist ein fortlaufendes visuelles Tagebuch, das ihren "Stamm" dokumentiert - ihre Freunde und Liebhaber in den Boheme-Subkulturen von Boston, New York und Berlin. Die Bilder, wie das zärtliche Porträt eines Paares im Bett, sind zutiefst persönlich und halten Momente der Liebe, des Drogenkonsums, der Intimität und des Verlusts mit unerschütterlicher Aufrichtigkeit fest. Die Arbeit wurde zu einem ergreifenden Archiv einer Gemeinschaft, die bald von der AIDS-Krise erschüttert werden sollte, was ihr persönliches Projekt zu einem wichtigen und herzzerreißenden historischen Dokument machte. Die Nacktheit in ihrem Werk ist niemals performativ, sondern einfach ein Zustand des Seins, ein Zeugnis der rohen Verletzlichkeit menschlicher Beziehungen.

Aus "Die Ballade der sexuellen Abhängigkeit"

Sally Mann (1951 bis heute): Die umstrittene Matriarchin

Sally Mann

Sally Manns wunderschöne und eindringliche Fotografien ihrer Familie und des amerikanischen Südens werfen tiefgreifende Fragen über Familie, Unschuld und Darstellung auf. Durch den Einsatz von Großformatkameras und antiken fotografischen Verfahren hat ihre Arbeit eine zeitlose, malerische Qualität, die oft über ihren kontroversen Inhalt hinwegtäuscht.

"Unmittelbare Familie" und der mütterliche Blick

Ihre Serie "Unmittelbare Familie" (1984-1994)die Nacktfotos ihrer kleinen Kinder enthielt, löste eine heftige Debatte über die Grenze zwischen Kunst und Ausbeutung aus. Die Bilder, wie das untenstehende, besitzen eine starke Dualität, da sie sowohl eine idyllische Kindheit als auch ein beunruhigendes, verfrühtes Gefühl des Erwachsenseins festhalten. Jahre später wurde ihre Serie "Stolzes Fleisch" bot eine zärtliche und schonungslose Studie über den alternden Körper ihres Mannes, die den traditionellen Blick radikal umkehrte, um Liebe und Sterblichkeit aus einer weiblichen Perspektive zu erkunden.

Aus "Unmittelbarer Familie"

Joel-Peter Witkin (1939 bis heute): Das Groteske und der abjektive Körper

Joel-Peter Witkin verschiebt die Grenzen des Aktes weit über die konventionelle Schönheit hinaus und schafft komplexe, makabre Tableaus, die die dunkelsten Ecken der menschlichen Existenz erkunden. Sein Werk ist stark von der klassischen Malerei beeinflusst, insbesondere von den Werken Goyas und Boschs, aber seine Motive stammen von den extremen Rändern der Gesellschaft: Leichen, Hermaphroditen und Menschen mit körperlichen Missbildungen.

Die Konfrontation mit dem Elend

Witkins Fotografie ist eine direkte Konfrontation mit dem, was die Philosophin Julia Kristeva das "Abjekt" nannte - das, was Identität, System und Ordnung stört. Seine Arbeiten zwingen den Betrachter dazu, seine Definitionen von Schönheit, Normalität und der Heiligkeit der menschlichen Form zu hinterfragen. Indem er seine Negative zerkratzt und verändert, schafft er eine verzweifelte, antike Qualität, die seine schockierenden Sujets wie Relikte aus einer vergessenen, alptraumhaften Geschichte erscheinen lässt. Aufgrund ihrer grafischen Natur wird hier kein Bild gezeigt, aber Werke wie "The Kiss" (mit einem abgetrennten Kopf) sind Meilensteine der anspruchsvollen, transgressiven Kunst.

Cindy Sherman (1954 bis heute): Der postmoderne Körper dekonstruiert

Während ihr Frühwerk weibliche Archetypen dekonstruierte, begann Cindy Sherman in ihren späteren Arbeiten der Gegenwart den Körper selbst zu dekonstruieren. In den späten 1980er und 1990er Jahren entfernte sie sich vom Selbstporträt und verwendete medizinische Schaufensterpuppen und prothetische Körperteile, um groteske, verstörende Szenen zu schaffen. In ihrer Serie "Sex Pictures" zum Beispiel zeigt sie zerstückelte anatomische Puppen in eindeutigen, fast klinischen Posen. Diese Bilder sind eine deutliche Kritik an der Objektivierung und Fragmentierung des weiblichen Körpers in der Pornografie und der Populärkultur. Indem sie ihre eigene Präsenz ausblendet und künstliche Körper verwendet, führt Sherman die Diskussion über den Akt zu einer postmodernen Schlussfolgerung: Der "natürliche" Körper ist verschwunden und durch eine Simulation ersetzt, eine Ansammlung von Teilen, die arrangiert und neu angeordnet werden können.

Den Körper zurückerobern: Identität, Ethnie und Queerness

In dieser Zeit nutzten Künstler aus marginalisierten Gemeinschaften politische Aktkunst um ihre Identität zurückzuerobern und eine Kunstgeschichte zu hinterfragen, die sie oft ausgeschlossen oder stereotypisiert hatte. Für diese Künstler war der Akt nicht nur etwas Persönliches, sondern auch ein Akt der politischen Selbstbestätigung und historischen Korrektur.

Rotimi Fani-Kayode (1955-1989): Der postkoloniale Körper

Rotimi Fani-Kayodes Arbeit war eine kraftvolle Auseinandersetzung mit Ethnie, Sexualität und postkolonialer Identität. Ausgehend von seinem nigerianischen Yoruba-Erbe und seinen Erfahrungen als schwuler Mann schuf er inszenierte, symbolische Porträts, die sich den schwarzen männlichen Körper aus dem kolonialen Blickfeld wieder aneigneten. Unter "Bronzekopf" (1987)stellt er seinen lebenden, atmenden Körper einem klassischen afrikanischen Artefakt gegenüber und schafft so einen tiefgreifenden Dialog über Herkunft, Spiritualität und die Rückgewinnung des Körpers und des kulturellen Erbes.

"Bronzekopf" (1987) von Rotimi Fani-Kayode

Ajamu X (1963 bis heute): Das Queer-Archiv der Freude

Ajamu X ist ein britischer Künstler, der in seinen Werken die schwarze queere Identität lebendig und unverblümt zelebriert. Seine Porträts sind ausdrücklich politisch, stellen Stereotypen in Frage und konzentrieren sich auf Themen wie Begehren, Vergnügen und Selbstliebe. Seine "Schwarze Bodyscapes" Serie ist ein fortlaufendes Projekt zur Schaffung eines Archivs des schwarzen queeren Lebens und Begehrens, das seine Motive mit einer Zuversicht und Freude präsentiert, die selbst ein radikaler Akt des Widerstands gegen eine Geschichte der Auslöschung ist.

Aus "Black Bodyscapes" von Ajamu X

Laura Aguilar (1959-2018): Die Beanspruchung des Raums in der Landschaft

Laura Aguilars Selbstporträts waren ein radikaler Akt der Raumbehauptung. Als großgewachsene, lesbische Latina aus der Arbeiterklasse nutzte sie ihre Arbeit, um konventionelle Schönheitsstandards in Frage zu stellen und Körper sichtbar zu machen, die von der Mainstream-Kunst oft ignoriert werden. In ihrem "Selbstporträt Natur" Serie platziert sie ihren nackten Körper in den kargen Landschaften des amerikanischen Südwestens. Die daraus resultierenden Bilder, wie das untenstehende, zeigen ihre Form, die mit Fels und Erde verschmilzt, und schaffen eine kraftvolle Aussage über Zugehörigkeit, Verwurzelung und die Schönheit aller Körper im Einklang mit der Natur.

Aus der Serie "Natur-Selbstporträt" (1996) von Laura Aguilar

Neue Perspektiven der Form: Abstraktion, Intimität und Maßstab

Andere zeitgenössische Künstler verfolgten andere, weniger direkt politische Ansätze, indem sie sich auf neue Möglichkeiten der Darstellung der Form selbst konzentrierten oder eine ruhigere, intimere Vision des Aktes erforschten.

Spencer Tunick (1967 bis heute): Das entsexualisierte Kollektiv

Spencer Tunick ist berühmt für seine groß angelegten Installationen mit Hunderten oder Tausenden von nackten Teilnehmern. Auf diese Weise entsexualisiert er den Akt und verwandelt die kollektive menschliche Form in eine lebendige, abstrakte Skulptur, die mit dem öffentlichen Raum interagiert. Seine Installation von 2007 in Der Zócalo-Platz in Mexiko-Stadtmit 18.000 nackten Freiwilligen verwandelte das historische Zentrum der Stadt in eine riesige, temporäre Landschaft aus menschlichem Fleisch, die unsere Wahrnehmung des öffentlichen Raums und des individuellen Körpers in Frage stellte.

"Mexiko-Stadt 4 (Zócalo)" (2007) von Spencer Tunick

Mona Kuhn (1969 bis heute): Das Ätherische und Intime

Mona Kuhns ätherische Fotografien zeigen den nackten Körper in traumhaften, naturalistischen Szenarien. Ihre Arbeit geht weg von der Konfrontation und konzentriert sich stattdessen auf ein Gefühl von Zeitlosigkeit, Intimität und Verbundenheit mit der Natur. In ihren "Beweise" Serie fotografierte sie die Bewohner einer französischen FKK-Kolonie. Die daraus resultierenden Bilder, wie das untenstehende, sind in einem weichen, warmen Licht eingefangen, das Ruhe und einen angenehmen, unbewussten Zustand des Seins hervorruft.

Aus der Reihe "Evidence" (2007) von Mona Kuhn

Das Aufkommen von Körperbewusstsein und Selbstdarstellung

Eine bedeutende neue Bewegung nutzt die Fotografie, um den idealisierten Körpern der Mode und der Medien direkt entgegenzuwirken und alle Körpertypen, Größen und Formen zu feiern. Dies ist eine direkte Reaktion auf die oft schädlichen Schönheitsnormen, die von der Mainstream-Kultur aufrechterhalten werden.

Yossi Loloi (1979-heute) und das "Full Beauty"-Projekt

Das Projekt "Full Beauty" von Yossi Loloi ist eine direkte und kraftvolle Hommage an übergroße Körper. Durch den Einsatz klassischer Beleuchtung und anmutiger Posen, wie auf dem Bild unten zu sehen, präsentiert er seine Motive mit der gleichen Würde und Kunstfertigkeit, die traditionell idealisierten, schlanken Formen vorbehalten ist. Seine Arbeit ist ein politischer Akt der ästhetischen Neugestaltung.

Aus dem Projekt "Volle Schönheit" von Yossi Loloi

Polly Penrose (1974 bis heute) und der Körper im Raum

Die Selbstporträts von Polly Penrose erforschen die physische Beziehung zwischen ihrem Körper und seiner unmittelbaren Umgebung. Oft verformt sie ihre Gestalt so, dass sie in häusliche Räume passt - über einen Stuhl gehängt, in eine Ecke gezwängt - und schafft so abstrakte, humorvolle und manchmal beunruhigende Formen. Ihre Arbeit ist eine spielerische und doch tiefgründige Untersuchung der Art und Weise, wie unsere Körper die Räume bewohnen, die wir bewohnen, und wie sie von ihnen geformt werden.

Polly Penrose

Schlussfolgerung: Der Körper als Aussage

In der zeitgenössischen Ära wurde der nackte Körper zu einem kraftvollen Mittel für persönliche und politische Aussagen. Ob sie nun eine Subkultur dokumentierten, Stereotypen herausforderten, eine marginalisierte Identität zurückforderten oder die Vielfalt des Körpers zelebrierten, diese Fotografen gingen über die reine Ästhetik hinaus. Sie bewiesen, dass ein Foto eines nackten Körpers ein Akt des Trotzes, eine Identitätserklärung und ein tiefgründiger Kommentar zu der Welt, in der wir leben, sein kann. Das ist ihr bleibendes Vermächtnis: die Verwandlung des Aktes von einem zeitlosen Ideal in eine aktuelle, dringende und zutiefst menschliche Aussage.

Die Perspektive des Künstlers: Die Innovation und der Mut dieser zeitgenössischen Fotografen inspirieren auch heute noch Künstler. Für Sammler und Enthusiasten, limitierte Auflage von Werken des preisgekrönten Aktfotografen Burak Bulut Yıldırım sind auf angesehenen Plattformen verfügbar wie Saatchi Kunst und Artsper. Sein komplettes Portfolio an zeitgenössischen Projekten finden Sie unter burakbulut.org.

Seit über einem Jahrzehnt teilt Yıldırım sein Fachwissen auch durch Aktfotografie-Workshops in Berlin. Diese Workshops bieten Fotografen die Möglichkeit, sich mit der reichen Geschichte des Genres auseinanderzusetzen und zeitgenössische Ansätze für den Akt in einem unterstützenden, professionellen Umfeld zu erkunden. Wenn Sie mehr über kommende Workshops erfahren oder eine Zusammenarbeit besprechen möchten, kontaktieren Sie uns auf Instagram oder per E-Mail hello@nudeartworkshops.com.